Blog del Coro Estable del Teatro Colón

Temporada 2012 ópera Teatro Colón

2012-02-14T14:18:00.000-08:00

Ópera

La Pasión según San Marcos (2000)

Música de Osvaldo Golijov

Basada en el Evangelio según San Marcos, los Salmos, las Lamentaciones de Jeremías y poesía española .
Encargo de la Internationale Bachakademie por el 250º aniversario de la muerte de Bach
Estreno argentino
Director musical: María Guinand
Orquesta “La Pasión” (metales y percusión)
Orquesta Estable del Teatro Colón (cuerdas)
Principales intérpretes: Biella Da Costa / María Hinojosa Montenegro / Luciana Souza / Reynaldo González-Fernández / Giaconda Cabrera / Manolo Mairena

MIÉRCOLES 14 (GA), JUEVES 15 (ANT), SÁBADO 17 (ANN) Y DOMINGO 18 DE MARZO (AV)

La forza del destino

Ópera en cuatro actos (Versión de 1869)
Música de Giuseppe Verdi
Libreto de Francesco Maria Piave, basado en Don Álvaro o la fuerza del sino, del Duque de Rivas
Director musical: Renato Palumbo
Director de escena: Hugo De Ana
Principales intérpretes: Dimitria Theodossiou / Angela Marambio / Ricardo Massi / Emmanuel di Villarosa / Luca Salsi / Fabián Veloz / Roberto Scandiuzzi / Paolo Battaglia / Agnes Zwierko / María Luján Mirabelli / Luis Gaeta / Luciano Miotto

DOMINGO 22 (AV), MARTES 24 (GA), JUEVES 26 (ANT) Y SÁBADO 28 DE ABRIL (ANN). MIÉRCOLES 2 Y VIERNES 4 DE MAYO (FE)

Edipo (Oedipe)

Ópera en cuatro actos (1936)
Música de George Enescu
Libreto de Edmond Fleg, basado en Edipo Rey y Edipo en Colono de Sófocles Coproducción del Teatro Colón de Buenos Aires con el Teatro Real La Monnaie de Bruselas, el Gran Teatre del Liceu de Barcelona y la Ópera Nacional de París
Estreno argentino
Director musical: Ira Levin
Concepto: Alex Ollé (La Fura dels Baus)
Dirección de escena: Alex Ollé y Valentina Carrasco
Principales intérpretes: Andrew Schröder / Natasha Petrinsky / Robert Bork

MARTES 29 DE MAYO (GA), VIERNES 1 (ANT), DOMINGO 3 (AV) Y MARTES 5 DE JUNIO (ANN)

Rinaldo

Ópera en tres actos (1711)
Música de Georg Friedrich Händel
Libreto de Giacomo Rossi, basado en Aaron Hill, inspirado en laJerusalén liberada, de Torquato Tasso Versión de Concierto
Estreno argentino
Director musical: Martin Haselboeck
Principales intérpretes: Franco Fagioli / Verónica Cangemi / Inessa Galante / Daniel Taylor / Víctor Torres

MARTES 12 (GA), VIERNES 15 (ANT), DOMINGO 17 (AV) Y MARTES 19 DE JUNIO (ANN)

Erwartung (Expectativa)

Ópera en un acto (1909, estrenada en 1924)
Música de Arnold Schönberg
Libreto de Marie Pappenheim
Director musical: Baldur Brönimann
Director de escena: Pedro Pablo García Caffi
Realización visual, diseño de iluminación y vestuario: Pedro Pablo García Caffi

Hagith

Ópera en un acto (1913, estrenada en 1922)
Música de Karol Szymanowski
Libreto de Felix Dörmann, basado en el Libro de los Reyes de la Biblia
Estreno argentino
Director musical: Baldur Brönimann
Director de escena / Diseño de vestuario: Michal Znaniecki
Principales intérpretes: Ewa Biegas / Roy Stevens / Christian Baumgärtel

DOMINGO 22 (AV), MARTES 24 (GA), JUEVES 26 (ANT) Y SÁBADO 28 DE JULIO

I due Figaro o sia Il soggetto di una commedia

(Los dos Fígaros, o El tema de una comedia)

Ópera en dos actos (1826, estrenada en 1836)
Música de Saverio Mercadante
Libreto de Felice Romani
Coproducción: Festival de Ravenna, Festival de Salzburgo y Teatro Real de Madrid
Estreno argentino
Director musical: Riccardo Muti
Director de escena: Emilio Sagi
Principales intérpretes: Antonio Poli / Asude Karayavuz / Rosa Feola / Annalisa Stroppa / Mario Cassi / Eleonora Buratto / Anicio Zorzi Giustiniani / Omar Montanari

MARTES 28 (GA), JUEVES 30 DE AGOSTO (ANT), SÁBADO 1 (ANN) Y DOMINGO 2 DE SEPTIEMBRE (AV)

La Cenerentola (La Cenicienta)

Ópera en dos actos (1817)

Música de Gioachino Rossini
Libreto de Giacopo Ferretti
Director musical: Bruno Campanella
Director de escena: Sergio Renán
Principales intérpretes: Serena Malfi / Kenneth Tarver / Gustavo De Gennaro / Aris Argiris / Gustavo Gibert / Carlo Lepore / Luciano Miotto / Marisú Pavón / Florencia Machado / Mónica Sardi / Carlos Esquivel / Omar Carrión

MARTES 25 (GA), VIERNES 28 (ANT) Y DOMINGO 30 DE SEPTIEMBRE, (AV).
MIÉRCOLES 3 (ANN) Y VIERNES 5 DE OCTUBRE (FE)

"Colón - Ring"

Versión compacta de 7 horas en una sola función de El anillo del Nibelungo en la víspera del bicentenario del nacimiento de Richard Wagner
Adaptación musical: Cord Garben
Producción General Artística y Escenotécnica
Teatro Colón de Buenos Aires
Estreno mundial: 27 de noviembre de 2012
Dirección Musical: Julien Salemkour
Dirección Artística y Dirección de Escena: Katharina Wagner

27 DE NOVIEMBRE (GA), 30 DE NOVIEMBRE (ANT), 4 DE DICIEMBRE (ANN), 7 DE DICIEMBRE (AV)

Crítica : Mundo Clásico "La Viuda Alegre"

2011-12-14T03:11:00.000-08:00

Un buen cierre

Gustavo Gabriel Otero

Buenos Aires, 29/11/2011. Teatro Colón. Franz Léhar: La viuda alegre (Die Lustige Witwe). Opereta en tres actos, libreto de Victor Léon y Leo Stein, basada en la comedia de Henri Meilhac ‘L'attaché d'Ambassade’. Candace Evans, dirección escénica. Michael Yeargan, escenografía. Mini Zuccheri, vestuario. Roberto Traferri, iluminación. Rodolfo Lastra, coreografía. Elenco: Solveig Kringelborn (Hanna Glawari), Mathias Hausmann (Conde Danilo), Reinhard Dorn (Barón Mirko Zeta), Lyuba Petrova (Valencienne), Benjamin Bruns (Camille de Rosillon), Gustavo Zahnstecher (Njegus) Norberto Marcos (Cascada), Carlos Ullán (Saint Brioche), Alejandro Meerapfel (Kromow), Ernesto Bauer (Bogdanovitch), Natalia Lemercier (Silviana), Oriana Favaro (Olga), Leonardo Estévez (Pritschisch), Rosmarei Klinghenhagen (Praskowia), Marisú Pavón (Zozó) y Ariel Ramos (Maître). Orquesta y Coro Estable del Teatro Colón. Director del Coro: Peter Burian. Dirección musical: Gregor Bühl

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COMENTARIOS

Si la Temporada 2011 del Teatro Colón comenzó en las peores condiciones (conflictos gremiales y laborales, abonos cancelados y un ‘ensayo abierto’ con piano y percusión de El gran Macabro de LIgeti) el devenir de la misma trascurrió sin demasiados sobresaltos, con calidad mediana y escaso público fruto de una inadecuada política de precios.

La razonable calidad del cierre y el anuncio anticipado de la Temporada 2012 permiten prever un nuevo año de características similares en lo artístico y con un gran interrogante frente a posibles conflictos con el personal. El resultado de las elecciones para el vocal del directorio representando a los trabajadores supone un gran consenso en el personal para con los delegados más propensos al diálogo y una descalificación hacia los más combativos (no sólo el lo gremial y laboral sino en lo que respecta a la política cultural y las decisiones directivas de la institución). A priori se puede establecer que la política de precios del 2012 continuará la del año actual y que la cartelera de ópera es diversa e interesente pero poco popular.

Para esta Viuda Alegre que cerró la temporada 2012 del Teatro Colón se recurrió al magnífico marco escénico utilizado en 2001, ideado por Michael Yeargan. Cada acto presenta un suntuoso decorado con ribetes Art Nouveau y así las lujosas oficinas de Pontevedro, el jardín de la mansión de Hanna y salón del Maxim’s son recreados con buen gusto, estilo y lujo.

Momento de la representación

Muy buena la iluminación de Roberto Traferri y fastuosos los trajes creados por Mini Zuccheri. El marco visual de excelencia se conjugó para ser perfecto reflejo de la Belle Epoque con todo el esplendor de la burguesía europea del momento.

La directora de escena estadounidense Candace Evans ideó movimientos escénicos razonables intensificando, quizás, con trazo grueso los momentos de humor. No obstante consiguió imponer un muy buen ritmo a la acción y pulcritud en las masas. La coreografía de Rodolfo Lastra resultó atrayente y el balance de los aspectos escénicos fueron lo mejor de la velada.

El maestro Gregor Bühl logró una buena versión sinfónica de la obra pero en ningún momento prestó atención al equilibrio entre el foso y el escenario, lo que tapó en muchos momentos las voces -de por si pequeñas- de los intérpretes principales y, más que nada en el primer acto, redundó en innumerables desencuentros entre la parte cantada y la orquesta.

Momento de la representación

Del elenco de cantantes sobresalieron el barítono austríaco Mathias Hausmann que compuso un Danilo de buena actuación, cuidada elegancia, perfecta emisión y grato timbre, y el tenor alemán Benjamin Bruns, un casi perfecto Camille de Rosillon.

Lamentablemente Solveig Kringleborn, la soprano escandinava que cantó el rol de la viuda Hanna Glawari, evidenció un registro desparejo, un amplísimo vibrato y dificultades en el extremo agudo. Sólo fue correcta actriz.

La soprano Lyuba Petrova fue una adecuada Valencienne, mientras que el bajo Reinhard Dorn resultó un simpatiquísimo Mirko Zeta.

Adecuadas las prestaciones de los comprimarios principales, de gran actuación el Njegus de Gustavo Zahnstecher, correcto el resto del elenco, y ajustado y solvente el Coro Estable que dirige el maestro Peter Burian.

En suma: un bien cierre para una temporada correcta de un Teatro Colón felizmente abierto.

Carmina Burana Teatro Colón. Fotos: ARNALDO COLOMBAROLI

2011-12-13T14:06:00.000-08:00

Una Voce Poco Fa: “LA VIUDA ALEGRE” DE Franz Lehár – TEATRO COLON DE BUENOS AIRES

2011-12-12T16:23:00.001-08:00

Posted by habitués en diciembre 7, 2011

Blog Una Voce Poco Fa | martes 6 de diciembre de 2011
“LA VIUDA ALEGRE” DE Franz Lehár – TEATRO COLON DE BUENOS AIRES Franz Lehár, austriaco de nacimiento pero de ascendencia húngara, produjo 19 obras, siendo “La Viuda Alegre” su quinta composición y la que sin duda logró trascender hasta el presente como modelo en su género. Luego de padecer durante años versiones en español, que desnaturaliza la obra y no dejan de filtrar un sabor a zarzuela, es de celebrar que el Teatro Colón brindará la versión original en alemán, ganando la obra considerablemente, como lo hizo Juventus Lyrica años atrás. Siempre he creído que para cierre de una temporada, y en época estival, una obra más leve, argumental y musicalmente, es lo más adecuado y el público que concurrió el domingo pasado, en su mayoría turistas o gente no habitué del Colón, celebraron esta función. Con una puesta "art nouveau" de singular belleza creada por estadounidense Michael Yeargan en el 2001, un magnífico vestuario de Mini Zuccheri , siempre elegante y en estilo, y una excelente iluminación de Roberto Traferri, la parte visual fue un regalo para la vista. Desgraciadamente no tuvimos la misma suerte en la parte musical y vocal.

El maestro Gregor Bühl brindó una versión de trazos gruesos, tiempos acertados pero carente de sutilezas, que la partitura reclama, y con poco cuidado en la relación foso escenario. Seguramente un Director más relacionado con el género hubiera sacado mucho más partido de la misma. El Coro realizó una buena tarea, dentro del marco musical explicitado, mostrándose por momentos un poco estático, problema atribuible a la Reggie de Candace Evans. Ella supo mover con sentido a los solistas, ayudada en la mayoría de los casos por el buen sentido actoral de los mismos. Hubo buenos desplazamientos y algunos “gags” que fueron festejados. Por momentos el Coro permaneció totalmente estático no favoreciendo a la puesta como un todo. Rodolfo Lastra ideó una muy buena coreografía que fue ejecutada con brillantez por el Ballet estable, tanto en las primeras escenas como en el explosivo Can- Can. Un muy buen trabajo. Solveig Kringelborn, quien posee una muy buena figura y se mueve bien como actriz, está lejos de sus buenos tiempos vocales. Su cantó sonó desparejo, con un centro casi inaudible, agudos destemplados y un persistente vibrato en toda su extensión. Después de un año donde se repitieron muchos errores de casting me sigo preguntándome como el Teatro Colón hace las contrataciones…Creo que en nuestro medio varias sopranos pueden hacer un más decoroso papel del rol e internacionalmente cientos. Por lo menos un misterio…sin indagar más…Lyuba Petrova, a quien ya habíamos apreciado como una correcta Pamina, se mostró más cómoda en Valencienne. Cantó con seguridad, buena afinación, aunque su volumen parece no ser el más indicado para una sala como la del Teatro Colón, moviéndose bien como actriz. Matthias Hausmann, como Danilo, fue sin dudas el elemento más positivo del elenco. Posee una importante voz de barítono lírico, canta con buena técnica, preciso estilo y es un muy buen actor. Redondeó un trabajo ponderable y lo mejor desde el punto de vista vocal, ayudado además por su buena presencia escénica. Otro punto positivo de la representación fue el tenor Benjamin Bruns (Camille de Rosillon), poseedor de una buena voz de tenor lírico-ligero, considerable volumen y un canto libre, en estilo y excelente fraseo. Reinhard Dorn, (Barón Mirko Zeta), un bajo de larga trayectoria, cantó en buena forma y realizó una lograda composición del personaje. Del amplio elenco cabe destacar a Gustavo Zahnstecher, acertadísimo Njegus, mostrando un gran despliegue actoral. El resto del elenco local cumplió con corrección, adaptándose muy bien a un estilo al que no están acostumbrados. Marisú Pavón (Zozó), muy desenvuelta pero en una parte tal vez algo grave para su registro, Alejandro Meerapfel (Kromow), Norberto Marcos (Vizconde Cascada), Leonardo Estévez (Pritschitsch), Ernesto Bauer (Bogdanowitsch), Carlos Ullán (Raoul de St. Brioche) y Rosemarie Klingenhagen (Praskowia) entre otros. Una versión de “La Viuda Alegre” que no quedará en los anales del Colón, la Opera es básicamente canto y música y una muy buena versión visual no puede compensar otras falencias. Pero Lehár se presta para pasar un rato agradable y tratar de pensar poco en la muy cuestionada próxima temporada.

Fotos: Teatro Colon de Buenos Aires

Dr. Alberto Leal

"La viuda alegre", opereta en tres actos. Libro: Víctor Léon y Leo Stein. Música: Franz Lehár. Elenco: Solveig Kringelborn, Matthias Hausmann, Lyuba Petrova, Benjamin Bruns, Reinhard Dorn, Norberto Marcos, Carlos Ullán, Gustavo Zahnstecher, Ernesto Bauer, Natalia Lemercier. Alejandro Meerapfel, Oriana Favaro, Rosemarie Klingenhagen, Marisú Pavón, Leonardo Estévez, Ariel Ramos. Iluminación: Roberto Traferri, Vestuario: Mini Zuccheri, Escenografía: Michael Yeargan, Coreografía: Rodolfo Lastra, Régie: Candace Evans, Ballet Lidia SegniCoro Peter Burian. Orquesta Estables del Teatro Colón Gregor Bühl

Publicado por Una voce poco fa

Una Voce Poco Fa: “LA VIUDA ALEGRE” DE Franz Lehár – TEATRO COLON DE BUENOS AIRES

Saludo final : La Viuda alegre temporada 2011 Teatro Colón

2011-12-11T15:44:00.001-08:00

FOTO: ARNALDO COLOMBAROLI

La Nación: Crítica: "La viuda Alegre"

2011-12-05T04:16:00.001-08:00

Por Juan Carlos Montero | LA NACION

Comentá1

Siempre resulta grato un espectáculo de opereta, género del teatro cantado de carácter ligero, con diálogos hablados y escenas de bailes de moda. Es que el escabroso trajinar de nuestro tiempo requiere de un antídoto. Por fortuna, y como ha sido una tradición de la sala en varios períodos de su historia, se ofrece como cierre de su temporada una de las más conocidas operetas de Lehár, apellido ilustre como el de los Strauss, Millocker, Heuberger o Suppé, entre otros, que han dado algunos de los títulos más perdurables del género.

La versión propuesta tuvo su factor de mayor calidad en el director de orquesta Gregor Bühl, quien ofreció una versión en estilo, logrando con sencillez y nada de efectismos un buen rendimiento de la Orquesta Estable, en especial por su acertado criterio de ser mesurado con el sonido, en favor del cuadro de cantantes.

En el rol protagonista de la famosa Hanna Glawari, joven y a la vez viuda millonaria, lució encanto personal la bella escandinava Solveig Kringelborn, careciendo, sin embargo, de recursos vocales adecuados como para abordar los pasajes cantados en una sala del tamaño del Colón.

Por su parte, la soprano rusa Lyuba Petrova, como Valencienne, se desempeñó con soltura en la escena y tuvo buenos momentos en el canto, en tanto que el ramillete femenino de personajes de flanco, encarnados por Natalia Lemercier (Silviana), Oriana Favero (Olga) y Marisú Pavón (Zozó), se desempeñaron con muy buena predisposición, del mismo modo que Rosmarie Klighenhagen encarnando a Praskowia, quien sumó indudable experiencia y amor por el canto.

En relación con el elenco masculino, Mathias Hausmann fue un convincente Conde Danilo, en especial por su soltura actoral; en tanto que el tenor lírico Benjamín Bruns sumó musicalidad, y el dúctil bajo Reinhard Dorn -ya conocido en Buenos Aires, en 2010- fue un simpático Mirko Zeta, quien en compañía de Norberto Marcos, Carlos Ullán, Ernesto Bauer, Alejandro Meerapfel, Leonardo Estévez, Gustavo Zahnstecher y Ariel Ramos conformaron ese conjunto de actores cantantes que entran y salen de las bambalinas con el ritmo de una música siempre grata y pegadiza.

Asimismo, como ocurre en toda opereta, se contó con un coro eficiente en la faz musical, aunque faltó mayor justeza y empaste de las voces, pero igualmente aportó con discreción esa exigencia necesaria y vital del teatro cantado de hoy que consiste en que cada uno de sus integrantes también se desempeñe como actor. En ese aspecto, las damas se destacaron por su naturalidad y su buena predisposición.

Por fin el espectáculo adquirió cierta diafanidad (el colorido oscuro y el marco fijo del boceto ya están envejecidos) por el magnífico rendimiento del Ballet Estable, que dirige Lidia Segni con dedicación, esmero y rigor, destacándose las muy buenas ideas coreográficas de Rodolfo Lastra..

Crítica. “La viuda alegre”. La opereta de Lehár, en una lograda producción escenográfica.

2011-12-04T10:22:00.001-08:00

El Art Nouveau, en todo su esplendor

01.12.2011 | Por Sandra De La Fuente

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Con la reposición de La viuda alegre que se había presentado en 2001, el Colón cerró su temporada de ópera. Aún sin querer hacer de la necesidad virtud, un primer reconocimiento se torna inevitable: si en aquella oportunidad las exquisitas actuaciones encabezadas por Thomas Allen y Frederica von Stade pudieron dejar los logros escenográficos un tanto relegados en la consideración crítica, hoy, con un elenco bastante más modesto, esa misma escenografía tal vez pueda recobrar su merecido primer plano. No hay mal que por bien no venga.

En el clásico pero atractivo decorado, la organicidad vibrante del Art Nouveau lo ocupa todo, desde el primer hasta el último acto, en las oficinas de Pontevedro, en el jardín de la mansión de Hanna y, por supuesto, en el salón del Maxim’s.

La escenografía de Michael Yeargan, pertinentemente iluminada por Roberto Traferri, refleja con ese marco Belle Epoque el esplendor y decadencia de la gran burguesía europea. El espacio está manejado con rigurosa economía: los vistosos números de baile y los diferentes movimientos corales no sólo tienen espacio generoso para desarrollarse, sino también recovecos donde agruparse para crear ritmos atractivos visualmente.

Sin embargo, la directora de escena estadounidense Candace Evans no consigue sacar total provecho de esta economía, y son muchos los momentos en los que mantiene estático y en pesada -y apretada- línea al coro, mientras el cuerpo de bailarines derrocha geometría con gran agilidad y espíritu festivo.

Evans tampoco parece haber dedicado demasiada energía al delineamiento de los personajes que, al igual que el coro, parecen en todo caso cincelados con el trazo grueso de la parodia y librados a su propia suerte.

Del elenco de cantantes despunta muy claramente el barítono austríaco Mathias Hausmann, el Danilo de esta producción, con voz de buen cuerpo y un timbre precioso que nunca suena forzado, en línea con una actuación de elegancia natural.

En cambio, Solveig Kringleborn, la soprano escandinava que canta el rol de la viuda Hanna Glawari, tiene un registro desparejo, con un amplísimo vibrato en los agudos e ínfima proyección en las notas graves. Pero no hay que descartar que la expresión de Kringleborn se resintiera en su intento de sobreponerse al volumen de una orquesta que, dirigida por el alemán Gregor Bühl, sonó bien sincronizada internamente, pero poco atenta a las necesidades de un elenco de voces más bien pequeñas.

Sin contar con una necesaria adecuación dinámica del cuerpo orquestal, la soprano Lyuba Petrova en el papel de Valencienne, el tenor Benjamin Bruns en el de Camille, el barítono Norberto Marcos y el tenor Carlos Ullán, Vizconde Cascada y Raoul de Saint Brioche, y el resto de los comprimarios sonaron un poco apagados. Incluso el potente bajo Reinhard Dorn -simpatiquísimo Mirko Zeta- pareció tener alguna dificultad para sobreponerse, en el principio, al conjunto instrumental.

2011-12-03T05:10:00.001-08:00

Gran finale: ampuloso y ovacionado

Crítica Filarmónica en el Colón. La orquesta cerró el ciclo de este año. Se destacó el Cuarteto Petrus.

03.12.2011 | Por Federico Monjeau fmonjeau@clarin.com

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Filarmónica de Buenos Aires

La Filarmónica de Buenos Aires cerró su ciclo de abono en el Colón con un programa orquestalmente diversificado, en el que destacó especialmente el Cuarteto Petrus, cuyo reciente surgimiento en la escena local debe saludarse calurosamente.

Impulsado por el primer violín Pablo Saraví, lo completan Hernán Briático en violín, Silvina Alvarez en viola y la rusa Gloria Pankaeva en violonchelo; Saraví es concertino de la Filarmónica; Briático, solista guía de los segundos violines de esa misma orquesta; Alvarez, suplente de solista de viola de la Sinfónica Nacional; Pankaeva integra la Orquesta Estable del Colón.

Los cuatro músicos exhibieron un amplio dominio instrumental y un fino sentido del equilibrio y los matices en las dos obras concertantes del programa: la Introducción y allegro para cuarteto y orquesta de cuerdas de Edward Elgar y el híperclasicista pero atractivoConcierto para cuarteto en la menor op. 131 de Ludwig Spohr, que se oyó en carácter de estreno argentino.

El nombre del cuarteto rinde homenaje a un personaje muy lejano, el célebre luthier de Cremona Petrus Guarnerius. No está mal: la ausencia de referencias localistas tal vez le augure larga vida.

La pieza de resistencia elegida para este concierto de cierre da la pauta de lo que debe ser un “gran finale” para el director Arturo Diemecke: Carmina Burana de Carl Orff, la arcaizante y ampulosa cantata alemana de 1936 que la publicidad de los últimos 20 o 30 años transformó en una de las obras más populares del planeta (como la definió en una ocasión el recordado periodista Claudio Uriarte: una obra larga de música pop para gente que quiere creer que está escuchando música clásica).

La convincente ejecución contó con los solistas Laura Rizzo (soprano), Damián Ramírez (contratenor) y Luis Gaeta (barítono), además del Coro Estable dirigido por Peter Burian y el de Niños dirigido por César Bustamante. Los percusionistas tuvieron su fiesta, y también se lucieron las maderas solistas, en especial el flautista Claudio Barile.

Diemecke devolvió las grandes ovaciones con la repetición del epílogo ( Oh, Fortuna ), esta vez dirigiendo de frente con la intención de hacer cantar al público, pero sin lograr más respuesta que algún aislado y tímido murmullo.

Ficha

Filarmónica de Buenos Aires

director Arturo Diemecke sala Teatro Colon, jueves 1

Muy bueno

Fotos: Arnaldo Colombaroli. Función de "Carmina Burana"

2011-12-02T10:52:00.001-08:00

Crítica "La viuda alegre" LA PRENSA

2011-12-01T19:50:00.001-08:00

Notable puesta de "La viuda alegre"

01.12.2011 |

Por Carlos Ernesto Ure

Ficha técnica:
"La viuda alegre", opereta en tres actos. Libro: Víctor Léon y Leo Stein. Música: Franz Lehár. Cantantes: Solveig Kringelborn, Matthias Hausmann, Lyuba Petrova, Benjamin Bruns, Reinhard Dorn, Norberto Marcos, Carlos Ullán, Gustavo Zahnstecher, Ernesto Bauer, Natalia Lemercier, Alejandro Meerapfel, Oriana Favaro, Rosemarie Klingenhagen, Marisú Pavón, Leonardo Estévez y Ariel Ramos. Iluminación: Roberto Traferri. Vestuario: Mini Zuccheri. Escenografía: Michael Yeargan. Coreografía: Rodolfo Lastra. Régie: Candace Evans. Ballet (Lidia Segni), Coro (Peter Burian) y Orquesta Estables del Teatro Colón (Gregor Bühl). El martes 29, en el teatro Colón.
Fue decididamente magnífica la producción de "La viuda alegre", que el Colón presentó en la última función de su temporada lírica. No sólo tuvo un marco escenográfico de bellísimos lineamientos "art nouveau", diseñado en 2001 por el estadounidense Michael Yeargan y criteriosamente iluminado por Roberto Traferri, sino que contó también con un vestuario de finísimos y elegantes diseños elaborado por Mini Zuccheri y una propuesta de muy ingenioso armado en sus pasos de comedia.
Residente en Nueva York, Candace Evans plasmó en efecto un esquema teatral singularmente aceitado y de atrayente dinámica; ajustada en desplazamientos y entradas, meritoria en ritmos, detalles y prolijos juegos actorales, su régie no dejó vacío alguno y se constituyó junto con los demás factores visuales en uno de los sostenes fundamentales de toda la representación.
BAILES Y CORO
Con coreografía creada por Rodolfo Lastra, vistosa, siempre lúcida y ceñida a la naturaleza ágil de la estupenda opereta de Franz Lehár, el cuerpo de baile estable, preparado por Lidia Segni se vio disciplinado y con figuraciones esbeltas, al tiempo que el coro de la casa, cuyo titular es el maestro vienés Peter Burian, mostró grata sonoridad, flexibilidad y homogeneidad (no fueron obviamente de su responsabilidad, sino del concertador, sus innumerables desencuentros con el foso).
Es que lamentablemente Gregor Bühl (¿quién podría explicar la contratación para el podio del teatro Colón de un director tan mediocre?) brindó una versión realmente burda de esta indiscutible obra maestra del repertorio ligero, traducción que osciló entre el circo y la antimusicalidad.
LOS CANTANTES
En el cuadro de cantantes solistas, las dos sopranos principales exhibieron voces pequeñas, de audición por momentos dificultosa. La sueca Solveig Klingenborn (Hanna Glawari) expuso además cierta rigidez y una ostensible opacidad en la zona central, mientras que la rusa Lyuba Petrov (Valencienne) exteriorizó llamativamente progresiva debilidad en el sector agudo.
En otros papeles, Marisú Pavón (Zozó), Rosemarie Klingenhagen (Praskowia) y Alejandro Meerapfel (Kromow), al igual que Norberto Marcos (Vizconde Cascada), Ernesto Bauer (Bogdanowitsch), Carlos Ullán (Raoul de St. Brioche) y Leonardo Estévez (Pritschitsch) se desempeñaron con corrección.
El veterano bajo Reinhard Dorn (Barón Mirko Zeta) realizó por su lado una impagable encarnación histriónica de su divertido personaje, igual que Gustavo Zahnstecher (Njegus). Pero los intérpretes más destacados de la noche fueron sin duda el barítono austríaco Matthias Hausmann (Conde Danilo Danilowitsch), quien además de buena desenvoltura escénica, demostró estilo, sobriedad y tersa y esmaltada línea lírica, y el tenor alemán Benjamin Bruns (Camille de Rosillon), que acreditó metal franco, de excelente legato y depurada emisión: fueron desde ya de primer nivel su romanza "Wie eine Rosenknospe" y la categoría del fraseo en el dueto "Sie sind eine anstsndage Frau".

Critica : "La viuda Alegre" en el teatro Colón

2011-12-01T02:39:00.001-08:00

Buenos Aires, 30 de nov.

"La viuda alegre" en el Teatro Colón

"La viuda alegre" de Franz Lehár cerró la temporada lírica 2011 del Teatro Colón dejando una muy interesante sensación. Sensación que puede ser felicidad, por la grandeza de esta música que no deja y nunca dejará de conmoverme. O tal vez sorpresa, ya que a lo largo de los tres actos la producción fue creciendo de manera irrenunciable logrando una impactante puesta del Colón. O también orgullo, por sentir a la hora del aplauso final que el objetivo se cumplió con creces, de la manera esperada, profesional e inteligentemente.

“La viuda alegre" de Franz Lehár relata la vida de una afortunada viuda y el intento de sus paisanos de mantener el dinero en el principado encontrándole un buen marido. Su estreno en Viena, el 30 de diciembre de 1905, fue de gran éxito y en la actualidad es una de las obras más importantes e interpretadas del género. En el Teatro Colón "La viuda alegre" se había presentado en tres ocasiones hasta hoy: en 1955 y en 1974 la obra salió a escena con su versión en castellano y recién en el año 2001 se presentó en su idioma original, el alemán. Esta última producción fue la que el Teatro Colón repuso para la presentación actual, con un importante y suntuoso diseño de escena que lleva la marca de Michael Yeargan. Gran reconocimiento para este hombre que ha delineado una foto de época de comienzos del siglo pasado en cada acto con sus escenografías centradas en el "art nouveau" y que la Directora Candace Evans utilizó de forma impecable en su debut como "regie" en el Colón y en donde estuvo a la altura de un teatro que se encuentra entre los más reconocidos del mundo. Evans hizo y deshizo con su puesta pero nunca perdió la línea, es acaso lo principal que uno pide a un "regie", seguir un lineamiento y no claudicar en su concreción. Cuando no hay lógica en los pasos que se van dando es cuando comienza el principio del fin, muchos directores de escena se han enfrentado al repudio del público por no respetar una línea. Evans demostró no solo ésto, sino que también detalló cada paso del coro y el ballet, llevándonos por momentos a un festival para la vista. Ese orgullo del que hablaba al tratar de definir la sensación ante esta nueva producción del Colón... orgullo por sentir a la hora del aplauso final que el objetivo se cumplió con creces, de la manera esperada, profesional e inteligentemente.

¿Qué decir de la música? Lehár logró con "La viuda alegre" un conjunto de grandes melodías de fácil audición, es una obra llena de hallazgos musicales y momentos inspirados. Números populares, bailes regionales, una trama romántica principal y otra trama cómica secundaria hacen de "La viuda alegre" un verdadero modelo de opereta ligera. La música fue interpretada de manera precisa por la Orquesta Estable del Teatro Colón bajo la dirección del maestro Gregor Bühl. En escena los cantantes no solo cumplieron con su rol principal sino que llevaron adelante una actuación muy interesante que le dio vida a cada personaje y mantuvieron la acción sobre todo en el segundo y tercer acto. Cuando se trata de interpretar piezas de humor es muy importante la continuidad y agilidad de los "sketchs" y esto se fue logrando a medida que pasaban los minutos y se instalaba la confianza en el escenario. La soprano noruega Solveig Kringelborn llevó adelante el papel de Hanna Glawari, una interpretación con ciertos altibajos. Su voz nunca logró un vibrato igualado teniendo graves problemas de volumen, es de rescatar su interpretación de la "Canción de Vilia" del segundo acto, pero lamentablemente falló en el final de la misma dejando una sensación ambigua con respecto a su rendimiento. Mathias Hausmann fue el Príncipe Danilo. El barítono, cuya extensión vocal es estable y su timbre cobra una gran notoriedad, deleitó con su actuación que fue brillante de principio a fin. La soprano rusa Lyuba Petrova se puso en la piel de Valencienne resultando impecable en todas sus intervenciones. Su voz de un timbre fino nunca sufrió complicaciones, manteniendo su tesitura y vibrato a lo largo de toda la obra. Brillante el tenor Benjamin Bruns como Camille de Rosillon, inolvidable el dueto "Mein Freund, Vernunft" junto a Lyuba Petrova y su interpretación de la canción "Wie eine Rosenknospe". Por otra parte el bajo Reinhard Dorn cumplió de buena manera con el rol de Mirko Zeta. El Coro Estable del Teatro Colón, que tiene gran relevancia en la obra, como siempre sonó sublime y riguroso, luciéndose la mayoría de sus integrantes más allá del canto y llevando a cabo coreografías muy bien creadas por Candace Evans y Rodolfo Lastra. La música e interpretación de la obra de Lehár, salvo pequeños detalles, estuvo acompañada por la calidad de la producción, dejándome esa sensación de felicidad ante la grandeza de la creación de Franz Lehár y de los intérpretes que la ejecutaron.

"La viuda alegre" en el Teatro Colón dejó múltiples e interesantes sensaciones. Quizá la que comprenda el orgullo y la felicidad sea la sorpresa, y no porque el Colón no nos tenga acostumbrados a producciones importantes sino porque lo mejor que nos puede pasar es no perder la capacidad de sorprendernos... Y eso sucedió en el estreno de una nueva puesta de "La viuda alegre" en el Colón y que sirvió de cierre de la presente temporada lírica. Excelente puesta, gran trabajo del Ballet Estable, impecable diseño de vestuario de Mini Zuccheri, grandes interpretaciones de los solistas y una Orquesta viva en manos de Gregor Bühl hicieron de esta presentación una delicia para los sentidos, sin dejar de lado los guiños de humor adicionales a la obra... Palabras en castellano y la utilización de temas de nuestra actualidad en los "parlandos" generaron la complicidad y despertaron sonrisas en los espectadores. Tal vez sea sorpresa esa sensación con la que me fui del Teatro Colón ya que a lo largo de los tres actos la producción fue creciendo de manera incontenible. Brillante en el conjunto, sencillo en las formas e impactante en su totalidad. Sí, fue sorpresa la sensación que dejó "La viuda alegre" en el Teatro Colón.

Alejandro César Villarreal
Director de hagaselamusica.com

La Viuda alegre, galería de imagenes. ARNALDO COLOMBAROLI (FOTOS)

2011-11-28T14:14:00.001-08:00

"La viuda alegre" vestuario Teatro Colón 2011

2011-11-28T04:10:00.001-08:00

Por Patricia...

2011-11-23T19:50:00.001-08:00

Ayer, martes 22 de noviembre, falleció Patricia Pérez. Una gran mujer, una gran artista, una gran luchadora, una gran amiga. Todo nuestro apoyo y afecto para su hija, Anahí y para su madre, Zulema.

Inclaudicable, sin dobleces ni medias tintas, generosa, corajuda, solidaria, luchadora, madraza como pocas. Va a ser muy duro y de momento increíble que Patricia no esté.

A muchos, esta cordobesa, dura, terca, apasionada, esta gran violinista, esta compañera de lucha, se nos hizo entrañable, necesaria. Supo ganarse su lugar y el respeto de sus colegas a fuerza de puro talento, empeño y dedicación.

Nunca dudó, ni siquiera un instante, en poner el cuerpo para defender a sus compañeros de trabajo, pelear por sus derechos y enfrentarse a la injusticia, aquella injusticia que la sublevaba y enardecía, aquella injusticia de los infames que la persiguieron y acosaron hasta último momento.

Luchó, codo a codo, con entereza y coraje, así de frente, como era ella, sin eufemismos y llamando a las cosas por su nombre. Jamás claudicó, ni aún frente a la enfermedad que la postraba, a la que le dio pelea con uñas y dientes hasta el fin.

Patricia nunca se rindió, simplemente no pudo más, fue demasiado.

Hoy, y durante mucho tiempo, habrá un lugar vacío en la Orquesta Estable del Teatro Colón; ahí, en la fila de los violines.
Hoy, y durante mucho tiempo, habrá una ausencia difícil soportar para todos nosotros.

Ayer, martes 22 de noviembre, día de la Música, falleció Patricia Pérez. Una gran mujer, una gran artista, una gran luchadora, una gran amiga.
Mucho dolor, mucha bronca.

Junta Interna ATE – Teatro Colón Trabajadores del Teatro Colón

EL CORO ESTABLE DEL TEATRO COLÓN OFRECE SU MÁS SENTIDO PÉSAME A FAMILIARES DE PATRICIA.

La Viuda Alegre: humor, simpatía y encanto despiden la Temporada Lírica 2011 del Teatro Colón

2011-11-23T19:46:00.001-08:00

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La Viuda Alegre: humor, simpatía y encanto despiden la Temporada Lírica 2011 del Teatro Colón Publicación: 22/11/2011
La opereta no podía faltar para cerrar ésta temporada lírica 2011 del Teatro Colón, es por eso que el próximo martes 29 de noviembre a las 20:30 horas, subirá La Viuda Alegre al escenario de nuestro primer Coliseo bajo la Dirección Musical de Gregor Bühl y la Dirección Escénica de Candace Evans.

Las seis funciones programadas se llevarán a cabos los días martes 29 y viernes 2 de diciembre a las 20:30 horas, domingo 4 a las 17:00 horas, miércoles 7 y sábado 10 a las 20:30 horas y la última función tendrá lugar el domingo 11 a las 17:00 horas.
Esta maravillosa opereta en dos actos con música del compositor Franz Lehár y libreto en alemán de Víctor León y Leo Stein basados en la comedia L’attaché d’ambassade (1861) de Henri Meilhac, narra la historia de Hanna Glawari, una viuda rica cuya fortuna es de gran interés para sus paisanos en lograr mantener su dinero en el principado de Pontevedre encontrándole un buen consorte.
La Viuda Alegre, es uno de los mayores triunfos del teatro musical de todos los tiempos y en ésta oportunidad el escenario del Teatro Colón dará cierre a la temporada lírica 2011 junto a un elenco internacional y nacional de excelencia.
Las localidades para el público general ya se encuentran a la venta en la boletería del Teatro Colón, Tucumán 1171 de lunes a sábado, de 10:00 a 20:00 horas y domingo de 10:00 a 17:00 horas.
Entradas: desde $ 40
Programa

Música de Franz Lehár
Libreto de Víctor Leon y Leo Stein,
basado en L ´attache d ´ambassade de Henri Meilhac
Dirección musical: Gregor Bühl
Dirección de escena: Candace Evans
Coreógrafo: Rodolfo Lastra

Diseño de escenografía: Michael Yeargan
Diseño de vestuario: Mini Zuccheri
Diseño de iluminación: Roberto Traferri
Director del Coro: Peter Burian
Coro Estable del Teatro Colón
Orquesta Estable del Teatro Colón
Reparto
Hanna Glawari Solveig Kringelborn(29/11, 02,04 y 07/12)
Leonora Del Río (10 y 11/12)
Conde Danilo Mathias Hausmann (29/11, 02,04 y 07/12)
Luciano Garay (10 y 11/12)
Valencienne Lyuba Petrova (29/11,02, 04 y 07/12)
Natacha Tupin (10 y 11/12)
Visconte C. de Rosillon Benjamin Bruns (29/11, 02,04 y 07/12)

Carlos Natale (10 y 11/12)
Mirko Zeta Reinhard Dorn(29/11, 02, 04 y 07/12 )
Gustavo Gibert(10 y 11/12)

Vizconde Cascada Norberto Marcos
Raoul de Saint Brioche Carlos Ullán
Bogdanovitch Ernesto Bauer
Silvina Natalia Lemercier
Kromow Alejandro Meerapfel
Olga Oriana Favaro
Pritschitsch Leonardo Estévez
Praskowia Rosmarie Klinghenagen
Njegus Gustavo Zahnstecher

Zozó Marisú Pavón
Lolo Mariana Crespo
Dodo Silvia Grün
Jou-Jou Laura Beccaceci
Frou-Frou María Laura Domingo
Co-Co Graciela Bertotti
Margot Marta Desperés
Maître Ariel Ramos

(Hostnews Contenidos)

Primer Coro Estable del Teatro Colón 1926

2011-11-22T12:40:00.001-08:00

Homenaje a Susana Karamanían, personalidad de la cultura argentino-armenia

2011-11-20T12:08:00.001-08:00

Fue integrante y solista del Coro Arax durante más de cuatro décadas, otro largo recorrido hizo como parte del coro estable del Teatro Colón. Los que la conocen dicen que amaba y respetaba la música tanto que ninguna dificultad la hacía desistir de subirse al escenario para actuar una ópera o interpretar una canción patriótica armenia. Aquella pasión, su simpatía y capacidad para hacerse querer, hacen que hoy muchos recuerden con una sonrisa a Susana Karamanian.

Hija de Antreás Karamanian y Anaise Tokian, Susana era la mayor de tres hermanos. Siempre supo que su vocación era la música, por lo que se preparó y lo siguió haciendo aún cuando a los 30 llegó al escalafón más alto al que un cantante lírico puede aspirar: el Teatro Colón. Comenzó como integrante, y luego como solista, del Coro Arax. A través del canto, aseguran los que la conocieron de cerca, pudo transmitir su amor por lo armenio y su dolor por el Genocidio que se cobró un millón y medio de víctimas y había traído a sus padres, como a tantos otros, a la Argentina.

Tras poco menos de un año de su fallecimiento, Araceli Quijano y María Rosa Farré, dos ex compañeras y amigas del Colón, la recuerdan como “un diccionario viviente” sobre música: “Susana era un archivo teatral con piernas, siempre sabía datos históricos de cada ópera, del autor, en qué circunstancia se había escrito, en qué fecha, quiénes la habían interpretado previamente. Era una maravilla escucharla antes de salir a escena. Era muy apasionada y las más nuevas abríamos las orejas, y las no tan nuevas se mataban de risa por cómo lo contaba”, relata Araceli Quijano que ingresó al famoso camarín 5 cuando Karamanian ya transitaba la mitad de su carrera.

En aquel camarín -que por iniciativa de Quijano y Farré, desde junio pasado lleva el nombre de su amiga- todo era alegría: antes del estreno de cada obra realizaban una comida, se festejaban los cumple años, los nacimientos y todas las buenas noticias. Es por eso que el último 23 de abril en el que Karamanian hubiera cumplido 75 años, ellas brindaron como su amiga lo hubiera deseado. Y frente a una foto ampliada que la congeló para siempre en el personaje de Attila -de la ópera de Verdi-, repetirán el ritual todos los años: “Ella quería que cuando muriera brindáramos por ella, y así lo hicimos, llorando, pero lo hicimos y lo seguiremos haciendo”, destaca Farré.

De aquel grupo en el que se respiraba camaradería y en el que la armenia con su voz de mezzosoprano, que hacía las veces de contralto, ponía orden y fomentaba la paz y la unión, solo quedaron Quijano y Farré, quienes se propusieron de ahora en más repetir aquellas tradiciones que hacían tan ameno el trabajo para transmitir a las nuevas generaciones lo que significó Susana Karamanian para el Colón. “Era toda una institución dentro del teatro, tal es así que cuando pedimos que el camarín llevara su nombre, la dirección nos dijo que sí inmediatamente”, relatan.Como no podía ser de otra forma la cantante se enamoró de un compañero de teatro, Mario Silaci, con quien se casó y tuvo a Anahíd. Poco después enviudó y quedó a cargo de su niña de tan solo dos años, que pasó su primera infancia entre camarines y pasillos e incluso llegó ser figurante de escena junto a sus primas; hoy es profesora de danzas folklóricas armenias. “La recuerdo como una gran intérprete -comienza Anahíd-. Y debajo del escenario era igual, su vida era como una continuación del escenario, para todo era muy apasionada, y muy dadivosa para con la gente que la rodeaba”, recuerda.

“Soy hija única y para mí, mi vieja era todo”, dice con contundencia y emoción Anahíd, que se contenta con que su madre la haya visto establecida, casada, que haya conocido a su nieto de dos años y medio Ará -“que increíblemente a pesar de ser tan chico todavía pregunta por la abu”, pero lamenta no haberle podido presentar a Sofí, su segunda nieta de cinco meses de vida. Sin embargo, se resiste a defraudar a su madre quien a pesar de los golpes, afrontaba la vida con alegría: “Si hay algo que mi vieja me enseñó es que las cosas por algo pasan y que siempre hay que seguir”.

El mismo concepto tienen sus ex compañeras: positiva, activa, generosa, estudiosa, trabajadora, apasionada son los calificativos que se repiten. “Nunca se quejaba de nada, nunca estaba cansada. Siempre estaba alegre y si en el ambiente había mala onda, ella lo daba vuelta”, asegura Farré. “La voy a seguir recordando toda mi vida, y vamos a hacer lo posible para transmitirles esa luz que ella tenía a las chicas jóvenes del teatro”, concluye su amiga.

Luciana Aghazarian

Ensayo Carmina Burana

2011-11-18T14:37:00.001-08:00

El Coro Estable del Teatro Colón se encuentra ensayando " Carmina Burana"

Foto: ARNALDO COLOMBAROLI

Gacetilla: "Las vanidosas ridículas"

2011-11-16T21:20:00.001-08:00

Las vanidosas ridículas
“Le cantatrici villane”
Valentino Fioravanti (1764-1837)

Verónica Cano (mezzosoprano)

Dirección Musical
Carlos Vieu

Versión y Dirección Escénica
Betty Gambartes

Preparación Musical
Marcela Esoin

Diseño de Escenografía
Gerardo Pietrapertosa

Diseño de Vestuario
Alicia Gumá

Diseño de Iluminación
Gonzalo Córdova

Realización de Escenografía, Vestuario, Peluquería y Utilería
Talleres del Teatro Colón

Bucefalo             Fernando Grassi
         Rosa            Tamara Pepe (26, 1, 3)
                                                              María Eugenia Coronel Bugnon (27, 28, 4)
        Agata             Malena Justo (26, 1, 3)
                                          Beatriz Quinteiro (27, 28, 4)
              Giannetta            Lidice Robinson (26, 1, 3)
                                   Verónica Cano (27, 28, 4)                    Carlino          Patricio Oliveira (26, 28, 4)
                                                     Gastón Oliveira Wekesser (27, 1, 3)
   Marco            Claudio Rotella

Figurantes
Diego Gemoli
Pablo Iglesias
Raúl Cabrera

Orquesta Académica del Instituto Superior de Arte del Teatro Colón

Teatro Margarita Xirgu. Chacabuco 875
Noviembre 26, 17hs; 27, 11hs; 28, 20hs; Diciembre 1º, 18hs; 3, 16hs; 4, 11hs

Producción Ejecutiva Orlando Acosta
Tutoría del proyecto Rozita Zozoulia

Maestros Internos
Matías Chapiro, Lucía Zapata
Asistencia de dirección escénica
Sergio Grimblat
Asistencia de iluminación
Sebastián Evangelista
Maestros de Luces
Luz Rocco, Gabriel Motta
Asistencia de vestuario
Claudia Penas
Traducción y diccion napolitana
María Emilia Pandolfi

“Las vanidosas ridículas” versión de “Le cantatrici villane” de Valentino Fioravanti (1764-1837).

Esta chispeante ópera que representa el estilo de la escuela bufa napolitana ha llegado hasta nuestros días en distintas versiones.

La adaptación que hoy llevamos a cabo bajo el título de “Las vanidosas ridículas” aspira a resaltar el espíritu irónico y risueño con el que el
compositor satirizó las aspiraciones de tres ambiciosas cantantes con pretensiones de artistas del bel canto.

La historia se ubica en un pueblo del interior de nuestro país a donde llega un pintoresco maestro de canto italiano quien intentará sacar
provecho de la ignorancia de estas pueblerinas soñadoras. Pero su plan se verá entorpecido por los anhelos amorosos de otros dos caballeros.

A través de una sucesión de arias y conjuntos que alternan con escenas habladas en castellano, estos coloridos y vivaces personajes recorrerán
con gracia y humor las disputas, envidias y celos de una auténtica compañía teatral en su carrera hacia la fama.

Betty Gambartes

Trailer: "Lohengrin" producción Teatro Colón 2011

2011-11-15T05:31:00.001-08:00

Gacetilla: Recital de canto del bajo Omar Brandan

2011-11-14T06:24:00.001-08:00

Temporada de ópera 2012 TEATRO COLÓN

2011-11-09T14:10:00.001-08:00

La forza del destino
Ópera en cuatro actos (Versión de 1869)
Música de Giuseppe Verdi
Libreto de Francesco Maria Piave, basado en Don Álvaro o la
fuerza del sino, del Duque de Rivas
Director musical: Renato Palumbo
Director de escena: Hugo De Ana
Diseño de escenografía, iluminación y vestuario: Hugo De Ana
Principales intérpretes: Dimitria Theodossiou / Angela Marambio /
Ricardo Massi / Emmanuel Villarosa / Lucas Salsi / Fabian Veloz / Roberto
Scandiuzzi / Paola Battaglia / Agnes Zwierko / María Lujan Mirabelli / Luis
Gaeta / Luciano Miotto

Después de 25 años vuelve al escenario del Colón uno de los títulos más importantes de la producción verdiana. Con la intensidad propia de los dramas románticos
españoles, su estreno llevó a Verdi al corazón de Rusia. Revisada después y con una
obertura que se haría célebre, esta ópera desafía toda superstición para conmover
hasta la médula con la forza del gran italiano.
Domingo 22 (AV), martes 24 (GA), jueves 26 (ANT) y sábado 28 de
abril (ANN). Miércoles 2 y viernes 4 de mayo (FE)

Edipo

(Oedipe)
Ópera en cuatro actos (1936)
Música de George Enescu
Libreto de Edmond Fleg, basado en Edipo Rey y Edipo en
Colono de Sófocles
Coproducción del Teatro Colón de Buenos Aires con el Teatro Real La Monnaie
de Bruselas, el Gran Teatre del Liceu de Barcelona y la Ópera Nacional de París
Estreno argentino
Director musical: Ira Levin
Director de escena: Alex Ollé
Colaborador del Director de escena: Valentina Carrasco
Diseño de escenografía: Alfons Flores
Diseño de vestuario: Lluc Castels
Diseño de Iiuminación: Peter Van Praet
Principales intérpretes: Andrew Schröder / Natasha Petrinsky /
Robert Bork

Una de las historias fundantes de nuestra civilización cobra nueva vida de la mano
de un compositor extraordinario del siglo XX: el rumano George Enescu. Estrenada
en París en 1936, la obra fue luego olvidada para comenzar en la última década un
revival del que el Colón no podía estar ausente. Es la primera ópera que relata la
vida mítica de Edipo desde su nacimiento hasta su muerte, y lo hace con plumamaestra y profundo impacto dramático. La concepción de los artistas de La Fura
dels Baus promete un envío de alto impacto.
Martes 29 de mayo (GA), viernes 1 (ANT), domingo 3 (AV) y
martes 5 de junio (ANN

Rinaldo

Ópera en tres actos (1711)
Música de Georg Friedrich Händel
Libreto de Giacomo Rossi, basado en Aaron Hill, inspirado en
la Jerusalén liberada, de Torquato Tasso
Versión de Concierto
Estreno argentino
Director musical: Martín Haselboeck
Principales intérpretes: Franco Fagioli / Verónica Cangemi / Inessa
Galante / Daniel Taylor / Victor Torres

El gran maestro del revisionismo histórico Martin Haselboeck estará en el podio de
la primera ópera italiana escrita por un alemán para el público inglés. Con evidente
vocación internacional, Händel desarrolla una historia de amor, guerra y salvación
en la época de la primera Cruzada con todo el espectacular vértigo de la mejor
música barroca. A trescientos años de su estreno, Rinaldo vuelve a vivir en el Colón.
Martes 12 (GA), viernes 15 (ANT), domingo 17 (AV) y
martes 19 de junio (ANN)

Erwartung (Expectativa)

Ópera en un acto (1909, estrenada en 1924)
Música de Arnold Schönberg
Libreto de Marie Pappenheim
Director musical: Baldur Brönimann
Director de escena: Pedro Pablo García Caffi
Realización visual, diseño de iluminación y vestuario: Pedro Pablo García Caffi
Intérprete: Evelin Herlitzius

Hagith

Ópera en un acto (1913, estrenada en 1922)
Música de Karol Szymanowski
Libreto de Felix Dörmann, basado en el Libro de los Reyes de la Biblia
Estreno argentino
Director musical: Baldur Brönimann
Director de escena / Diseño de vestuario: Michal Znaniecki
Diseño de escenografía y proyecciones: Luigi Scoglio
Escenógrafo: Luigi Scoglio
Asistente de escenografía y dirección de escena: Zofia Dowjat
Diseño de vestuario: Joanna Medynska
Iluminación y proyecciones: Bogumil Palewicz
Principales intérpretes: Ewa Biegas / Roy Stevens / Christian Baumgärtel

La vanguardia se hace presente en la temporada lírica con dos títulos breves de
alta concentración dramática. Erwartung supone la espera tensa de una mujer,
que se expresa a través de un desesperado monólogo, la representación en cámara lenta de la excitación espiritual que puede encerrarse en apenas un segundo de
vida. Hagith, en ocasiones comparada a la Salomé de Strauss, narra la historia del
anciano Rey David enfrentado a la posibilidad de un amor joven que también es el
de su hijo, el futuro rey Salomón. Todo se encamina hacia un desenlace brutal que
dejará al espectador profundamente interpelado.
Domingo 22 (AV), martes 24 (GA), jueves 26 (ANT) y
sábado 28 de julio-

I due Figaro
o sia Il soggetto di una commedia
(Los dos Fígaros, o El tema de una comedia)
Ópera en dos actos (1826, estrenada en 1836)
Música de Saverio Mercadante
Libreto de Felice Romani
Coproducción: Festival de Ravenna, Festival de Salzburgo y
Teatro Real de Madrid
Estreno argentino
Director musical: Riccardo Muti
Director de escena: Emilio Sagi
Diseño de escenografía: Daniel Bianco
Diseño de vestuario: Jesús Ruiz
Diseño de iluminación: Eduardo Bravo
Diseño coreográfico: Nuria Castejón
Principales intérpretes: Antonio Poli / Asude Karayavuz / Rosa Feola /
Annalisa Stroppa / Mario Cassi / Eleonora Buratto / Anicio Zorzi Giustiniani
/ Omar Montanari
Orchestra Giovanile Luigi Cherubini
Philharmonia Chor Wien
Maestro del coro: Walter Zeh
Pianoforte: Speranza Scappucci

El napolitano Riccardo Muti dirigirá ópera por primera vez ópera en el Colón y nada
menos que con el rescate de una de las partituras de su coterráneo Saverio Mercadante. A partir del manuscrito descubierto en la Biblioteca de Madrid por el musicólogo Paolo Cascio, I due Figaro, estrenada en la capital española, vuelve a recorrer
el mundo llevando la nostalgia italiana en clave de comedia. En ella, Inés, hija del
Conde y la Condesa, se enamora de Cherubino, que hará todo por casarse con ella,
inclusive cambiar su identidad...
Reestrenada en los festivales de Ravenna y de Pascua de Salzburgo, la producción
integral comandada por el maestro Muti llega a Buenos Aires para dar nueva vida a
Figaro, Susanna, Cherubino y tantos personajes entrañables de la ópera de Mozart,
de la cual este Due Figaro es una vibrante continuación.
Martes 28 (GA), jueves 30 de agosto (ANT), sábado 1 (ANN) y
domingo 2 de septiembre (AV

La Cenerentola
(La Cenicienta)

Ópera en dos actos (1817)
Música de Gioachino Rossini
Libreto de Giacopo Ferretti
Director musical: Bruno Campanella
Director de escena: Sergio Renán
Diseño de escenografía: Emilio Basaldua
Diseño de vestuario: Gino Bogani
Diseño de animación: Alvaro Luna
Principales intérpretes: Serena Malfi / Kenneth Tarver / Gustavo De
Gennaro /Aris Argiris / Carlo Lepore / Luciano Miotto / Marisú Pavón /
Florencia Machado / Mónica Sardi / Carlos Esquivel / Fernando Radó
La historia de la Cenicienta cobra en manos de Rossini un sabor burbujeante. Modelada en tres semanas, por un autor de veinticinco años que acaba de triunfar
con El barbero…, nuestra heroína promete las más bellas melodías, un humor ligero y una trama caprichosa que atrapará al espectador bajo la guía de uno de
nuestros más imaginativos directores de escena: Sergio Renán.
Martes 25 (GA), viernes 28 (ANT) y domingo 30 de septiembre, (AV).
Miércoles 3 (ANN) y viernes 5 de octubre (FE)

“Colón ~ Ring”
Versión compacta de 7 horas en una sola función de
El anillo del Nibelungo en la víspera del bicentenario
del nacimiento de Richard Wagner
Adaptación musical: Cord Garben
Producción General Artística y Escenotécnica
Teatro Colón de Buenos Aires
Estreno mundial: 27 de noviembre de 2012
Dirección Musical: Julien Salemkour
Dirección Artística y Dirección de Escena: Katharina Wagner

Una propuesta original para la vocación internacional de nuestro Teatro
El Teatro Colón de Buenos Aires, con sus cuerpos estables, su producción propia y
una vasta tradición en el repertorio wagneriano, ofrecerá este innovador proyecto
que da inicio a las celebraciones del bicentenario de Richard Wagner.
No en vano fue escogido el Teatro Colón para este lanzamiento. En el Teatro Colón
la obra de Richard Wagner ocupó ciertamente un lugar de privilegio, por lo tanto
es una lógica plataforma para una nueva y original propuesta wagneriana, que,
además, se inscribe en la vocación internacional de nuestro teatro y en la firme decisión de reconquistar un espacio para las programaciones innovativas y de mayor
personalidad en el circuito de la lírica nacional e internacional.
27 de noviembre (GA), 30 de noviembre (ANT), 2 de diciembre (AV),
4 de diciembre (ANN

“Parto de la convicción de que este proyecto que estamos emprendiendo juntos con el
Teatro Colón, significará un importante paso en la recepción de la obra de mi bisabuelo,
Richard Wagner. Ya de por sí, la sola idea de que la Dirección del Colón asumiera el desafío
de producir este “Anillo compacto”, abre enormes expectativas. El Teatro Colón se ha convertido, a mi modo de ver, en el lugar ideal para realizar este proyecto revolucionario porque luego de su reapertura y de la espectacular restauración y renovación tecnológica, es
el escenario que conjuga, con una tradición wagneriana de más de cien años, no sólo el
glamour y el lujo de su edificio, sino también el personal, las condiciones tecnológicas y
los más modernos equipamientos escenotécnicos para montar un importante proyecto
de escala internacional.”
Katharina Wagner, directora del Festival de Bayreuth
El Colón-Ring es su más ambicioso proyecto para celebrar -en la víspera del aniversario- los
doscientos años del nacimiento de Richard Wagner, un proyecto único, de envergadura y proyección mundial.

“El anillo” es una obra muy extensa que, como totalidad, no es prácticamente abarcable.
Cada una de las tres óperas grandes del Anillo contiene extensiones muy largas y muchas
repeticiones. De algunos de los relatos retrospectivos, que vuelven a repetir y repetir lo
que ya sucedió en la acción, se puede prescindir. En esta adaptación -¡ha habido otras en
el pasado!-, el principal objetivo es mantener la coherencia y el orden argumental, mientras se suprimen largas discusiones y repeticiones de estrofas o fragmentos filosóficos
que interrumpen la acción y no tienen implicancia argumental.
La supresión de los contenidos está sujeta al desarrollo musical, lo que implica que sólo
se cortan cuando musicalmente es posible, esto es: la misma tonalidad, el final de un
motivo o de una frase hablada, que no alteren el diálogo ni el argumento.”
“El mundo ha cambiado de manera drástica. La tecnología ofrece posibilidades que en
los siglos pasados eran impensables para reproducir individualmente las obras por medios electrónicos, de modo que el mundo actual es otro mundo, donde el valor del tiempo es completamente diferente. Yo siempre pienso en las ideas del joven Wagner, en su
espíritu confrontativo y revolucionario. Por supuesto que sin coraje no se hace nada. Pero
también hacen faltan la preparación, los conocimientos y la experiencia para abordar
un proyecto así. Ahora bien: cuando uno está convencido de algo y dispone de los medios para hacerlo, entonces debe hacerlo. Y yo estoy profundamente convencido de este
Anillo. Pero hay algo fundamental: las interpretaciones complementan una obra, no la
reemplazan, de modo que nuestro Colón-Ring será un complemento, no el reemplazo del
Anillo original.”
Cord Garben
Mentor y responsable de la adaptación musical, Cord Garben comenzó una colaboración con
el Teatro Colón que tendrá su cenit en noviembre de la próxima temporada, con el estreno de
esta mega producción, internacionalmente bautizada con el nombre de “Colón-Ring”.

“Colón ~ Ring”

Dirección Artística y Dirección de Escena

Katharina Wagner

Adaptación

Cord Garben

Dirección Musical

Julien Salemkour

Producción General Artística y Escenotécnica

Teatro Colón

Asesor en dramaturgia

Daniel Weber

Diseño de escenografía

Frank Schlössmann

Diseño de vestuario

Thomas Kaiser

Management

Gerald Johannes Dittel

Coordinación

Cecilia Scalis

Sábado 12 de noviembre: "Simón Boccanegra" por Ciudad Abierta, canal de la ciudad. Producción Teatro Colón 2011

2011-11-09T00:52:00.001-08:00

Crítica: "Norma" en Bahía Blanca.

2011-11-07T15:05:00.000-08:00

NORMA EN BAHIA BLANCA

Luis Baietti

NORMA DE BELLINI ( VERSION DE CONCIERTO ) DIR. CESAR TELLO -ORQUESTA SINFONICA PROVINCIAL DE BAHIA BLANCA- CORO ESTABLE – TEATRO MUNICIPAL DE BAHIA BLANCA

Hay una enorme ventaja en ser un espectador anonimo y no un critico musical o un musicologo prestigioso y es que uno puede decir directamente lo que piensa o siente sin autocensurarse , porque no se tiene un prestigio personal a defender, y se puede por ende confesar que se ama un texto o un autor frente a los cuales es ahora de buen tono fruncir el ceño y considerarlo un compositor menor , frente a autores mas recientes que han perfeccionado formas mas complejas del arte musical pero no se han acercado ni de lejos a la belleza clasica de este melodista sin par que fue Bellini. Y puedo aun mas confesarme sin rubor un irredento admirador de dos obras consideradas muy menores de su produccion como lo son I CAPULETTI E I MONTECCHI y LA SONAMBULA, cosa que seguramente me enviara al purgatorio donde van los amantes de la opera incultivados musicalmente. Puedo ademas indignarme con el destino que nos privo del genio de Bellini en plena juventud, mas aun de la manera estupida en que vino a fallecer, y en momentos en que como testimonia su opera I PURITANI estaba en pleno proceso de evolucion hacia formas mas complejas de creacion ( algo que ocurrio en gran medida tambien, sin que pretenda establecer parangones entre ellos, con Puccini que ni siquiera consiguio terminar TURANDOT en la que se hacia evidente su evolucion hacia otras formas de su arte, que incluian por ejemplo un uso intensivo de las masas corales ) y me frustro pensando que hubiera podido hacer Bellini ( o tambien Puccini ) si se le hubiera dado la oportunidad de permanecer entre los vivos hasta la plena madurez como por ejemplo le ocurrio a Verdi. Y pienso ademas que conceptos hubieramos tenido de Verdi y su obra si hubiera fallecido a la edad de Bellini o la de Puccini, sin haber compuesto sus obras maestras de la madurez.

Ahora bien, por mucho que uno guste de otras operas de Bellini, es innegable que hay una que es su obra maestra, la mas perfecta encarnacion de su arte y esa es sin lugar a dudas NORMA con su clasica, serena belleza , que logra con una economia total de recursos y con una engañosa simpleza formal trasmitir toda una gama de sentimientos que llega inclusive a la extrema violencia.

No es una Opera facil de montar. En primer lugar por las arduas exigencias vocales y dramaticas a su protagonista,uno de los mas arduos y peligrosos del repertorio, que tiene que ser una verdadera soprano dramatica de agilidad, esa rara avis que pocas veces ha existido en la tierra. No es sorprendente que la Opera en tiempos recientes se haya popularizado gracias a la magia de Callas, que tenia todo lo que hay que tener para ser Norma y un poco mas. Una interpretacion vocalmente asombrosa, dramaticamente arrebatadora, uno de los grandes monumentos de la musica grabada y sin duda uno de los papeles en los cuales la gran soprano ( tambien fallecida prematuramente, y para colmo despues de muchos años de retiro forzado ) descollaba y era insustitiuible. Por muchos años crei que no habia otra soprano capaz de cantar Norma sin pasar un papelon . Y sin embargo despues fui oyendo a sopranos como Gencer, Verrett ( que canto tanto Norma como Adalgisa ) Theodossiou Negri Scotto ( que la encarno muy en final de carrera y tuvo que dejarla rapidamente cuando su deterioro vocal le impidio seguir cantandola ) y Caballe ( con reservas en el plano interpretativo ) amen de un par de sopranos de colorattura que valiendose de una impecable tecnica vocal lograban sortear con maestria los obstaculos sin llegar a ofrecer una version totalmente satisfactoria en lo dramatico por la falta de peso de sus voces ( Sills,Sutherland )

Pero segui pensando que no habia en America Latina soprano capaz de encarar a este terrible personaje. Hasta que llego HAYDEE DABUSTI, vuelta del limbo donde estuvo un par de decadas por razones estrictamente personales. Ni su voz ni su capacidad de interprete estaban en aquel entonces a la altura de lo que hoy puede hacer con el personaje, pero ya era lo que yo llame una honesta aproximacion a un papel imposible de cantar. En el interin Dabusti, que es una empecinada trabajadora, ha conseguido perfeccionar su tecnica, , su voz se ha hecho mas corporea, ha adquirido otra sonoridad para los graves, y ha pasado a poder cantar pianisimo un arma que no formaba parte de su bagage tecnico cuando re-debuto en el Avenida con esta opera. Su version de hoy deja a aquella a la altura de un buen borrador y marca un hito regional, porque no conozco otra soprano del medio que pueda encarar de esta forma este dificil papel y terminar la funcion ( alguien se fijo cuantos minutos canta Norma y lo comparo con los que cantan otros personajes considerados dificiles como Turandot ?) con la voz absolutamente entera y sin cansancio aparente. La interprete tambien ha madurado y se nota otro grado de entrega emotiva. Aquí especialmente en el segundo acto a partir del DORMONO ENTRAMBI su actuacion alcanzo momentos de gran intensidad, frente a los cuales palidece un poco su interpretacion dramatica del primer acto en el que parecio mas preocupada con la partitura y con administrar sus recursos para no agotarlos antes de tiempo. En suma una gran interpretacion que todos debieramos ver y que espero sea presentada a la brevedad en Buenos Aires y -por que no ? - en Montevideo.-

Peo si bien una buena version de Norma es imposible sin una muy buena Norma, no acban alli las dificutades del casting ( comno se dice en el español castizo que hablamos ahora ). Hay por lo menos dos papeles que si bien no pueden salvar la version si Norma no es lo que debe ser, pueden si arruinarla si ellos no estan a la altura de sus personajes. Nada de ello ocurrio en esta version-

En primer lugar hubo el impacto de la deslumbrante caracterizacion vocal y dramatica de EDINEIA OLIVEIRA una mezzo soprano de graves acontraltados y un esplendido registro agudo especialmente cuando lo encara en mezza voce, que usa con particular efectividad dramatica. Ningun terror ofrecieron para ella ni las notas , ni los ascensos y descensos bruscos del grave al agudo o viceversa con los que Bellini parece haberse vengado de alguna mezzo que detestaba, Y para colmo tiene un temperamento dramatico avasallador, siendo visible su total compenetracion, hasta llegar a las lagrimas, con el sufrimiento del personaje. Una creacion mayor. Se pueden objetar algunas notas agudas forte algo metalicas o algun pasaje del agudo al grave donde se sintio el esfuerzo de la “ caja de cambios “ pero son detalles mezquinos cuando se esta en presencia de un logro artistico de estos quilates.

FELIPE CASTILLO DE ORLEANS fue una revelacion para quienes como yo estamos habituados a escuchar tenores con una voz mas dramatica haciendo el Pollione ( pienso en Vickers, Del Monaco, Corelli y hasta en Domingo pese a ser mas lirico que los primeros ) . Demostro que se puede perfectamente cantar el papel y dar todas las notas ( graves y agudas ) sin demostrar esfuerzo ni renunciamiento alguno. Pollione no es un papel para interpretaciones muy profundas, es un personaje un poco bidimensional ( por oposicion a tridimensional ) pero Felipe lo sirvio con la cuota de emocion directa que le es dable expresar dentro de esos limites.

LUCIANO STRAGUZZI tiene una bellisima voz de bajo que seguramente va a dar que hablar. Y llego con solvencia a los extremos agudos y graves exigidos por la partitura, amen de superar con comodidad la sonoridad del coro con el que canta con frecuencia. Dos limitacioens tiene sin embargo : una que es superable seguramente con mayor perfeccionamiento tecnico es que por momentos su voz parece proyectarse hacia dentro de su cuerpo y no hacia el publico, produciendo un extraño efecto de encajonamiento. El otro, que el tiempo corregira , es que es demasiado joven para la parte. Straguzzi es un joven de escasos 30 años supongo , que para colmo luce mas joven que su edad ( hablo de envidia, claro ) y tiene la pinta de un galan de cine, Cuesta visualizarlo asi en directo sin ropas y maquillaje como el maduro padre de Norma. Inclusive su gestualidad, propia del cantante sensible que seguramente es, en algun momento traiciono la extrema juventud del interprete, como por ejemplo su llanto final , bienvenido por lo que representa emotivamente, pero demasiado propio en la manera de llorar, de un adolescente, que Oroveso seguramente no es.

Fue una agradable sorpresa ver a IRENE ABREU la magnifica SANTUZZA de la Sala Goitiño de Montevideo, cantando una Clotilde de lujo con su hermosa y potente voz de mezzo.

El coro y la Orquesta tuvieron un buen rendimiento. Se intuye que Tello esta trabajando con ellos y llevandolos a un nivel que los hagan quedar a la altura de otros coros y orquestas nacionales y se los ve bien encaminados, por mas que en algunos momentos del primer acto algunas sonoridades hayan parecido excesivas. Me gusta mucho la forma de dirigir de Tello, que logra a la vez dar intensidad a la ejecucion sin preocuparse exclusivamene por sonar bien y ademas tiene una consideracion constante por los cantantes, adecuando tanto el volumen como la velocidad de la orqueta a las neceesidades de quienes estan cantando los paples centrales. Es , como por ejemplo el maeestro Vieu, un director que ha comprenddo que la funcion fundamental del regista es apoyar a sus cantantes y no encorsetarlos, una leccion que algunos arrogantes maestros que exigen lo imposible de sus solistas, debieran aprender.

Por ultimo voy a permitirme el atrevimiento de dar un consejo : en las proximas representaciones de Opera en Concierto ( una modalidad que debiera cultivarse con mas frecuencia ) debiera haber igualmente alguien encargado de los movimientos escenicos, aunque mas no sea para unificar criterios. Aquí la exhuberante personalidad de .la mezzo que se lanzo a una representacion totalmente teatralizada ( y excelente ) desentono con las versiones del resto del elenco, que fueron mas parcas en lo teatral, limitandose a algunos movimientos y gestos y a la expreison facial de los sentimientos.

Que pena que pese al alegado federalismo de Argentina, estos esfuerzos provinciales no puedan ser oidos en otras ciudades y que pese al alegado comunitarismo del Mercosur, tampoco puedan ser oidos en ciudades de paises vecinos que quien sabe cuando tendran la oprtunidad de oir una Norma como esta.

Gacetilla: Requiem de Mozart

2011-11-03T09:15:00.000-07:00

María Luján Mirabelli en "Carmen" Porto Alegre

2011-10-29T16:11:00.000-07:00

Gacetilla: "NORMA" en Bahía Blanca. Transmisión en directo

2011-10-29T07:15:00.000-07:00

OPERA” NORMA” EL SABADO 5 DE NOVIEMBRE 21 HS EN EL TEATRO MUNICIPAL DE BAHIA BLANCA. SE TRANSMITE SIMULTANEAMENTE ONLINE. HAYDEE DABUSTI-GUADALUPE BARRIENTOS-FELIPE CASTILLO DE ORLEANS-LUCIANO STRAGUZZI- DIRECION : MAESTRO CESAR TELLO

ENLACE PARA VER LA TRANSMISIÓN EN VIVO: OPERA NORMA EN DIRECTO

Condolencias

2011-10-26T16:51:00.000-07:00

EL CORO ESTABLE DEL TEATRO COLÓN OFRECE SU MÁS SENTIDO PÉSAME A NUESTRA COMPAÑERA DIANA CANELA POR EL FALLECIMIENTO DE SU SEÑOR PADRE DON NORBERTO CANELA.

FUERZA DIANA!

Ópera "FEDRA" ..."Grandiosa recreación" Teatro Colón

2011-10-24T15:44:00.000-07:00

Música: Mario Perusso – Libreto, escenografía, vestuario y dirección de escena: Marcelo Perusso – Coreografía: Guillermina Tarsi – Iluminación: Rubén Conde – Cantan: Alejandra Malvino, Marcelo Puente, Leonardo Estévez, Haydée Dabusti, Daniela Tabernig, Florencia Machado, Alicia Alduncín y Gustavo Feulien – Orquesta Estable del Teatro Colón

Critica: Blog Martin Wullich

Pocas veces se ha visto un nivel tan parejo de estupendos cantantes transmitiendo, en este caso, la mitológica historia de Fedra. El tremendo drama cobra vida no sólo en las voces sino en la calidad histriónica de cada uno. Un elenco totalmente argentino, partiendo desde su compositor, brilla en un escenario que denota un colosal trabajo de equipo.
El personaje principal, encarnado por Alejandra Malvino, logra un maravilloso final del primer acto marcando igualmente la locura y la pasión erótica que la une con Hipólito –Marcelo Puente-, en el momento musical quizás más lírico y deleitable. No se quedan atrás Daniela Tabernig, como Aricia, impactando con sus potentes agudos y en una antológica muerte a manos de Fedra, ni Haydée Dabusti personificando a la nodriza en el justo punto del personaje impresionado por las iras de su ama. Gustavo Feulien personifica a Terámenes, e impone su abaritonado tono tan convincentemente como lo hizo en Lohengrin. Algunos detalles de texto se han escapado, como el uso del posesivo en “la mirada que llevo dentro mío”, que debería ser “dentro de mi”, así como es llamativo que algunas cantantes enfaticen la letra “ll” pronunciando doncesha, brisho, cabeshera y orgusho.
Mario Perusso ha creado esencialmente climas musicales que acompañan magníficamente cada momento de la tragedia, pero se extraña una línea melódica o cantable. La Orquesta Estable del Teatro Colón, dirigida por el mismo, los interpretó en forma sobresaliente. Marcelo Perusso ha pergeñado una puesta en escena fantástica, poniendo un particular sello en la escenografía y en el vestuario, con la iluminación de Rubén Conde en visiones cinematográficas, desde el primer cuadro en que Hipólito y Terámenes, ataviados de cuero y cubiertos con máscaras, azuzan con cierto sadismo una jauría de perros –encarnados por hombres- preparándose para salir en una noche de plenilunio. Los Perusso han acentuado este clásico, con rótulo propio, fascinando al espectador. Martin Wullich
Próximas funciones:
Miércoles 26 de octubre a las 20.30
Domingo 30 de octubre a las 17
Teatro Colón
Libertad 621 – Cap.
www.teatrocolon.org.ar

Música de Mario Perusso
(Compositor residente del Teatro Colón)
Libreto de Marcelo Perusso

Dirección musical: Mario Perusso
Dirección de escena, Diseño de escenografía y vestuario: Marcelo Perusso
Diseño de iluminación: Rubén Conde
Diseño coreográfico: Guillermina Tarsi

Principales intérpretes: Alejandra Malvino, Marcelo Puente, Leonardo Estévez, Haydée Dabusti, Daniela Tabernig

En su segundo año como compositor residente del Teatro Colón, Mario Perusso dará a conocer en calidad de estreno absoluto su ópera Fedra. Basada en la historia de la mujer de Teseo, que se enamoró de su hijastro Hipólito, la tragedia cobró vida en la pluma de importantes escritores y músicos a lo largo de los siglos. Hoy, su actualidad sigue intacta y esta nueva visión del mito será una contundente prueba de ello.
Fechas y Horarios

18.10.2011 | 20:30 hs.
21.10.2011 | 20:30 hs.
26.10.2011 | 20:30 hs.
30.10.2011 | 17:00 hs.

Teatro Colón
Cerrito 628
Ciudad Autónoma de Buenos Aires
República Argentina | +5411 4378 7100
www.teatrocolon.org.ar | info@teatrocolon.org.ar

Crítica La Nación "FEDRA" de Mario Perusso

2011-10-21T06:44:00.000-07:00

Por Juan Carlos Montero | LA NACION

Fedra, de Mario Perusso / Libreto, dirección de escena y vestuario: Marcelo Perusso /Coreografía: Guillermina Tarsi / iluminación: Ruben Conde / Proyecciones: Natalio Rios / Dirección de la orquesta estable: Mario Perusso, en el Teatro Colon.
Nuestra opinión: muy bueno

Han pasado pocos días desde la magnífica versión de Hippolyte et Aricia , de Jean Philippe Rameau, llevada a cabo en el Museo Nacional de Arte Decorativo, para que, gracias al multifacético Mario Perusso, pedagogo, director de orquesta, compositor y representante de una estirpe de brillantes maestros preparadores del Colón, se diera a conocer su última creación para ese complejo mundo de la dramática cantada, tomando la misma temática. Un aspecto fundamental que valoriza su obra es que, desde el punto de vista musical, el criterio estilístico de la escritura parece renegar del atonalismo y de casi todos los derivados de la escuela de Viena.

En cuanto al elenco, resultaría injusto intentar un orden de valoración en el conjunto de cantantes que han caracterizado a los personajes de la tragedia en razón del parejo nivel artístico de todo el elenco que vivió el intenso y escabroso drama que el puestista Marcelo Perusso, con atinados recursos escénicos, trató de no definir con realismo ni época ni lugar, aunque no dejó de mostrar una atmósfera de tipo mitológico, así como cambiantes coloraciones que parecieron estar vinculadas a los estados de ánimo de los personajes.

Alejandra Malvino, como protagonista, sumó a su multifacética carrera una de sus mejores realizaciones. No sólo por la excelencia de su canto, sino también por su destreza para que los pasajes más difíciles y comprometidos se escucharan con claridad y cabalmente amalgamados con los sonidos orquestales. Asimismo, desde el punto de vista actoral, su naturalidad en los gestos, miradas y desplazamientos resultaron como provenientes de una consumada actriz del mejor teatro.

La excelente soprano Daniela Tabernig, como Aricia, dejó escuchar su habitual seguridad musical y esa voz de matizado timbre que maneja con muy buena emisión a través de una inteligente administración del aire. Por su parte, Florencia Machado, dando vida a Selene, actuó con naturalidad y aplomo. Asimismo, la joven Alicia Alduncín dio vida a Hécate con desenvoltura y aplomo.

La soprano Haydée Dabusti aportó su reconocida experiencia y brillantes dotes vocales para encarnar a una nodriza de indudable jerarquía, no sólo por su natural desempeño escénico, sino también por la seguridad con que afrontó la complejidad de todas sus partes cantadas.

Muy buena resultó la labor del tenor Marcelo Puente abordando nuevamente una ópera de Perusso, ya que fue el magnífico protagonista de El ángel de la muerte , estrenada en 2008 en La Plata y cuyas intervenciones vocales parecieron haber sido tenidas en cuenta por el autor para su mayor lucimiento. Con absoluta entrega cantó con vehemencia a lo largo de todo el extenuante registro.

Del mismo modo el barítono Leonardo Estévez, como Teseo, tuvo un desempeño de singular nobleza y refinamiento en cuanto al trazado de su personaje, aportando a las partes cantadas musicalidad y grato color de voz, así como naturalidad a su accionar actoral, y el joven barítono Gustavo Feulien, como Terámenes, dejó escuchar la muy buena evolución de su carrera, que apunta a ser brillante en un futuro cercano.

Mario Perusso, en la dirección musical y concertación general, obtuvo con la claridad de su batuta un estupendo rendimiento de todos los sectores de la orquesta del Colón, luciendo en alto grado sus características distintivas; pastosidad en los sonidos graves, sabiduría para lograr expansivos volúmenes sin distorsión, llegar a transparencias afiligranadas y todo momento con intensidades de sonido al servicio del lucimiento de las voces provenientes del escenario.

Bailarines y figurantes impecables desde todo punto de vista, gracias a la muy buena contribución de Guillermina Tarsi, una exquisita figura de la danza. En definitiva, una realización que enriquece al arte lírico nacional

Fallleció la soprano argentina Ana María Marcó

2011-10-20T05:40:00.000-07:00

En el día de ayer, 19 de octubre, se produjo el deceso de la soprano Ana María Marcó quien además de haber hecho una estupenda carrera como solista en el Teatro Colón, fue integrante del Coro Estable.

Ana María Marcó y su esposo Hugo Sorrenti

EL CORO ESTABLE DEL TEATRO COLÓN EXPRESA SU MÁS SENTIDO PÉSAME A SUS DEUDOS.

"ANA MARIA MARCÓ- Una coreuta única, entregada a full a su trabajo, de una belleza deslumbrante, y qué pudo vivir la gran dicha de cantar, despues de su temprana jubilación, como solista durante varias temporada en su AMADO Teatro Colón- ¡Ana Maria!! siempre estarás en los corazones de los qué tuvimos la dicha de conocerte" (JULIA INÉS MANZITTI)

Enlace : Ana María Marco y Hugo Sorrenti: MAESTROS DE CANTO

Teatro Colón: "Lohengrin" fotos

2011-10-06T15:28:00.001-07:00

“Lohengrin” en el Teatro Colón : La duda de Elsa

2011-09-29T13:40:00.001-07:00

La segunda propuesta wagneriana de este año encontró en la historia del caballero del cisne una versión musical de gran interés y un equipo vocal con interesantes figuras. Por Ernesto Castagnino

Richard Crawley (Lohengrin) y Ann Petersen (Elsa de Brabante), junto

al Coro Estable, en el primer acto de Lohengrin, Teatro Colón, 2011

LOHENGRIN, ópera romántica en tres actos con libreto y música deRichard Wagner. Función del viernes 23 de septiembre de 2011 en elTeatro Colón. Dirección musical: Ira Levin. Director de escena, escenografía e iluminación: Roberto Oswald. Colaborador del escenógrafo: Christian Prego. Vestuario: Aníbal Lapiz. Reparto: Richard Crawley (Lohengrin), Ann Petersen (Elsa de Brabante), Kurt Rydl (Rey Enrique I), James Johnson (Friedrich de Telramund), Janina Baechle (Ortrud), Gustavo Feulien (Heraldo del Rey), Mathias Schulz, Carlos Ullán, Sebastián De Filippi y Marcelo Boluña (Nobles de Brabante). Orquesta Estable, Coro Estable y Coro de Niños del Teatro Colón. Director de coro: Peter Burian. Director del coro de niños: César Bustamante.

El paralelismo entre algunos aspectos de Lohengrin y El holandés errantees casi obligado. Ambas historias se desarrollan a partir de la figura de un hombre que porta un enigma y de una mujer que anticipa en una visión su llegada. Enorme fuerza dramática posee el hecho de que ambas, Senta y Elsa, estén dispuestas a dar todo por un hombre al que ni siquiera conocen, aunque en el caso de Elsa la duda y la curiosidad son las que desencadenan el trágico final. Es que, a diferencia de Senta que se inmola sin dudarlo un segundo como si una fuerza ajena a ella la impulsara, en la historia de Lohengrin lo primero que hace el caballero desconocido es pedirle a Elsa que jamás le pregunte su nombre y su origen. Y, por supuesto, no hay nada más tentador que alguien señale algo prohibido para que adquiera la dimensión de lo irresistible y, curiosity killed the cat, las cosas no terminan nada bien.

Aunque muchos ven en esta ópera el final de la ópera romántica alemana inaugurada por Weber, lo que es indudable es que significó la despedida deRichard Wagner al mundo de la ópera tal como se la conocía hasta ese momento, ya que luego de ella no compuso óperas sino “dramas musicales” (Tristán e Isolda, El anillo del Nibelungo, Los maestros cantores de Nürenbergy Parsifal), un género nuevo y propio que —el todo es más que la suma de sus partes— abarca mucho más que de la reunión de drama y música e implica una visión completamente novedosa de la relación entre ambos. Pero como nada se gesta ex nihilo, ya en las obras del primer período se advierte la incomodidad del compositor con el formato de la ópera italiana y su división en números. Wagner buscó desde sus primeras óperas romper con esa división porque consideraba que atentaba contra el fluir del drama y sus esfuerzos se orientaban —cada vez con más decisión y con más independencia del modelo establecido— a crear un ininterrumpido fluir musical que envuelva al oyente manteniéndolo sujetado hasta el acorde final.

Escena del segundo acto de Lohengrin, Teatro Colón, 2011

En este sentido, la propuesta musical del director Ira Levin tuvo sus altos y sus bajos. Aunque no logró sostener el interés con igual intensidad a lo largo de las cuatro horas que dura la ópera, alcanzó momentos de gran calidad sonora y mantuvo un pulso dramático con tempi suficientemente fluidos y ágiles. Lohengrin es una ópera que recorre climas bien diferentes y contrastantes, desde momentos de tierna intimidad hasta cuadros concertantes con solistas y coro de enormes proporciones. Esto obliga al director a no perder nunca la visión de conjunto, garantizando ese fluir ininterrumpido que le da a la obra su unidad. Algo de esto encontramos en la dirección de Levin pero no todo. En su batuta hubo ímpetu y diestra coordinación de las vastas fuerzas instrumentales y vocales, incluso cierta sutileza, pero sobre todo ímpetu.

Roberto Oswald como director de escena no asumió —tampoco en esta oportunidad— riesgos, lo cual no es bueno ni malo, pero en todo caso sus propuestas se empantanan en un planteo lineal y de escaso vuelo. Representante de un modo de concebir la ópera á la lettre, Oswald, junto al diseñador de vestuario Aníbal Lapiz, realizaron una puesta en escena prolija y detallada, con cierto refinamiento incluso al costo de algunas caídas en un manierismo algo cursi. Hasta aquí el planteo visual, que aun en su literalidad era plenamente disfrutable. Pero donde verdaderamente se vio perjudicada la propuesta fue en el plano dramático, a causa de un pueril maniqueísmo que hacía de los buenos, buenísimos y de los malos, malísimos, lo que por momentos recordaba una de las tantas versiones infantiles de cuentos de hadas que hizo Walt Disney para el cine.

El elenco estuvo encabezado por el tenor Richard Crawley, que afortunadamente tomó el lugar de John Horton Murray, el abucheado Lohengrin de la función del estreno. En Crawley se encuentran muchos de los requisitos para asumir el rol del enigmático caballero: una voz lírica capaz de asumir algunos pasajes heroicos pero también de momentos de mucha intimidad, un timbre noble y una buena articulación del idioma alemán. A falta de mayor robustez vocal, el tenor brindó una interesante capacidad de comunicación en su monólogo “In fernem Land” (En tierras lejanas). A su lado, la soprano Ann Petersen hizo gala de un amplio y homogéneo registro y delineó, a través de expansivos cantabiles y un volumen adecuado, una Elsa a la vez frágil y apasionada, una adolescente en vías a convertirse en mujer.

Janina Baechle (Ortrud), Ann Petersen (Elsa) y James Johnson (Friedrich de Telramund) en el segundo acto de Lohengrin, Teatro Colón, 2011

La pareja de los “malos” tuvo en James Johnson y Janina Baechle dos intérpretes de gran interés. Mientras que Johnson se impuso con una vocalidad de barítono dramático potente y bien timbrada, la mezzosoprano alemana delineó una oscura y agresiva Ortrud, eficaz a pesar de una emisión no siempre pareja. La voz del bajo Kurt Rydl —que hace poco asumió un rol muy diferente en el mismo escenario, el de Arkel en Pélleas et Mélisande— ya no posee el vigor y el esmalte para hacer frente al rol del Rey Enrique I que abordó con un vibrato poco agradable. El barítono Gustavo Feulien aportó una voz rica en densidad y con los adecuados acentos autoritarios para caracterizar al Heraldo.

El Coro Estable, dirigido por Peter Burian, fue otro de los protagonistas de esta versión, imponiéndose en cada una de sus numerosas intervenciones con un sonido homogéneo. La Orquesta Estable hizo frente al desafío wagneriano con entereza y el resultado fue musicalmente contundente. Las cuerdas plasmaron magníficos pasajes de pulcro y compacto sonido mientras que los metales —con gran presencia a lo largo de la partitura— hicieron vibrar el teatro con sus fanfarrias.

Una disfrutable versión de Lohengrin, que seguramente será recordada por sus aciertos musicales más que por su previsible propuesta escénica.

Ernesto Castagnino
ecastagnino@tiempodemusica.com.ar
Septiembre 2011

Gacetilla: Concierto Lírico de Monserrat Maldonado

2011-09-23T13:21:00.000-07:00

Crítica: La prensa "Bella puesta de Oswald para Wagner

2011-09-22T17:22:00.000-07:00

Por Carlos Ernesto Ure

Ficha técnica:
"Lohengrin", ópera romántica en tres actos. Libro y música: Richard Wagner. Cantantes: John Horton Murray, Ann Petersen, Kurt Rydl, James Johnson, Janina Baechle y Gustavo Feulien. Vestuario: Aníbal Lápiz. Escenografía, iluminación y "régie": Roberto Oswald. Coro de Niños (César Bustamante), Coro (Peter Burian) y Orquesta Estables del Teatro Colón (Ira Levin). Colón (Libertad 621), martes 20.

En calidad de sexto espectáculo de su temporada lírica, el Colón presentó el martes una nueva producción de "Lohengrin", espectáculo despojado de emoción, en el que por encima de una mediana versión musical, se distinguieron netamente sus componentes visuales y teatrales.

En efecto; con la estimable colaboración de Aníbal Lápiz en la realización de figurines de austera y funcional plasticidad (excepto el atuendo del "Caballero del Cisne", por momentos un personaje salido de "Flash Gordon"), la puesta elaborada por Roberto Oswald lució siempre armoniosa belleza, enmarcada por finas tonalidades pastel y un montaje de inspirada plenitud.

De corte por cierto realista pero con rasgos de moderna creatividad, esto es, divorciada de raíz de los experimentos luctuosos de otras latitudes, la mise-en-scne de nuestro talentoso compatriota, estéticamente grata y proporcionada, se constituyó desde ya en el factor más positivo de una velada que en otros costados, dejó verdaderamente mucho que desear.

CORRECTA RUTINA

Preparado por su director, el vienés Peter Burian, el coro estable cumplió a su vez un cometido de doble lectura, ya que por un lado su sector masculino se oyó excesivamente estentóreo (sin duda, por indicación del concertador), pero de todos modos con hermosas resonancias, y por otro, sus desacoples internos resultaron evidentes a lo largo de toda la jornada.

La orquesta de la casa exhibió a su vez altibajos notorios, habida cuenta que a despecho de ciertos fragmentos de mejor precisión, la cuerda alta en sobreagudo incurrió en serias deficiencias y los "tutti" en forte y en fortíssimo parecieron extremadamente confusos y mal articulados. De cualquier manera, en el actual estado de cosas del Colón, es probable que no se pudiera esperar otra cosa.

En el podio estuvo Ira Levin, maestro que nunca superó los moldes de una correcta rutina. Inhábil en el balance con las voces, su versión de la ópera romántica de Wagner careció de sello personal, de nervio comunicativo y de vuelo, y en muchos pasajes incursionó en una sonoridad y en desniveles exagerados, mientras que en otros padeció de una contención llamativa, igualmente inapropiada.

LOS CANTANTES

Al margen de dos crispantes gallos, vale la pena preguntarse: ¿quién seleccionó a los cantantes de "Lohengrin"? El tenor contratado en primer término (Michael Hendrick) fue despedido al comenzar los ensayos; en cuanto al segundo, John Horton-Murray (protagonista), se trata de un artista muy primitivo tanto en la faz musical, como en lo actoral (debió modificar "per se" las notas del pentagrama mientras iba recorriendo la sección final de su parte, debido a su penosa imposibilidad para asumirlas; el caso debe ser único en la historia del teatro Colón).

La soprano danesa Ann Petersen (Elsa von Brabant), dueña sin duda de una bonita voz, deslució su labor debido a la llamativa y permanente irregularidad de su emisión (se trata de un defecto de compleja corrección), y también por la falta de calidad y expansión de su legato. En cuanto a Janina Baechle (Ortrud Radbod), mezzo de atrayente metal y fraseo, cabe apuntar que sus dificultades de tesitura se manifestaron insalvables.

El veterano bajo austríaco Kurt Rydl (Heinrich der Vogler), paradigma en su cuerda en el panorama centroeuropeo de las últimas décadas, mostró desde ya imponente potencia y autoridad, afectadas decididamente por las grietas y la gruesa ondulación de su metal. La figura más importante de la noche fue en definitiva el barítono James Johnson (Friedrich von Telramund), quien acreditó registro recio, entero, elocuente, de comunicativos armónicos. Lo habíamos oído ya en 1998 en el Met, en un inocuo Hans Sachs, y lo encontramos ahora al cabo de los años en un punto alto de su carrera, fuerte, vibrante, con notas sólidamente timbradas y sostenidas.

Critica "Clarin" Wagner con luces y sombras

2011-09-22T08:45:00.000-07:00

22.09.2011 | Por Federico Monjeau fmonjeau@clarin.com

Todo el mundo espera el cisne inmaculado, pero la régie de Roberto Oswald lo restituye de manera refractada, en una proyección algo esfumada, más soñada que real, que por cierto no carece de atractivo y que ejemplifica el estilo de una escena bastante despojada en términos de objetos corpóreos, aunque al mismo tiempo majestuosa y también un poco kitsch, sobre todo en el tercer acto, con su particular ceremonial.El arribo del caballero Lohengrin al reino de Brabante no es sólo el principal anhelo de Elsa, sino también uno de los momentos más esperados por el espectador, ya que no se trata de un ingreso más: Lohengrin entra en la escena en una barca tirada por un cisne (y sobre este arribo -y especialmente sobre la partida, también en cisne- se acumula un profuso anécdotario).

Son notables las ambientaciones que crea Oswald con el solo manejo de la luz, en especial en el segundo acto, con su contraposición entre el oscuro mundo de Ortrud y la luminosa noche de Elsa.

La parte musical es menos sólida, ya que el elenco tiene precisamente su más drástica falla en el rol protagónico. El tenor alemán John Horton Murray es un Lohengrin musical y dramáticamente inexpresivo, pero antes de cualquier consideración sobre su estilo debería consignarse lo más elemental: Murray no tiene voz para el papel.

La soprano danesa Ann Petersen fue la figura de la noche con su lograda composición de Elsa, aunque también destacó el estadounidense James Johnson como Friedrich de Telramund y el argentino Gustavo Freulien como el Heraldo. La mezzo Janina Baechle creó una Ortrud incomparablemente diabólica, y su talento teatral compensó alguna debilidad vocal menor. El bajo Kurt Rydl tiene prestancia escénica como Enrique I, aunque su voz luce fatigada y el vibrato es amplísimo y constante. El Coro cumplió de sobra con su parte bajo la guía de Peter Burian, e Ira Levin obtuvo un alto rendimiento de la orquesta.

A la hora del saludo, el pobre Murray soportó estoico el sádico abucheo, que aunque menos estentóreo, persistió durante las salidas de Levin y Oswald, lo que es técnicamente mucho menos explicable.

Ficha

Lohengrin

Autor Richard Wagner director Ira Levin regie, escenografia e iluminacion Roberto Oswald sala Teatro Colón, martes 20

Bueno

Critica "La Nación " Lohengrin " Se lució el Coro Estable"

2011-09-22T08:33:00.000-07:00

Por Pablo Gianera | LA NACION

Existen por lo menos dos posibilidades de entender la acción de Lohengrin: la primera, en una "suspensión de la incredulidad", como sucesión de hechos fantásticos; la segunda, como un largo y profuso ensueño de Elsa, del que despierta repentinamente en el final. En este caso, se solapan el märchen, esa variedad alemana del cuento de hadas, con el resto diurno, confirmación de lo real. Después de todo, Wagner definió la obra como "ópera romántica", y el personaje podría ser tan onírico como la flor azul del poeta Novalis. La inmaterialidad del preludio conectaría sin interferencias con la inmaterialidad de lo soñado.

En las notas de programa, el régisseur Roberto Oswald explica que optó por esta última posibilidad. La puesta se ocupó de puntearla visualmente, con una tenue luz violácea que brilla por primera vez cuando Elsa canta "Einsam in trüben Tagen." y se reitera, casi como motivo recurrente, en otros momentos. Hay en general una voluntad de abstracción que queda a veces a medio camino, por ejemplo en la representación del cisne: proyección que no era ni del todo abstracta ni del todo delineada. Muy logrado fue en cambio todo el segundo acto, con la lenta transformación de la noche en día y la luz de la catedral. Sin duda, la ensoñación es una posibilidad lícita, pero es inevitable que, si se la sigue, la tragedia se diluya porque todo no fue más que un sueño: así, en lugar de caer exánime, Elsa queda en el final abrazada a su hermano Gottfried.

Musicalmente, el rendimiento fue desparejo ya desde la pareja protagónica. Por alguna razón, el tenor John Horton Murray parecía no tener del todo claro que interpretaba a Lohengrin: su gestualidad parecía oscilar entre la displicencia, la impasibilidad y la soberbia, actitudes todas que difícilmente podrían predicarse de su personaje. Es evidente además que no tenía la voz en condiciones para su papel. Ya se lo notaba tenso, al límite vocal, e incluso superado, desde el primer acto; en el tercero, la tensión se rompió: por desgracia, la nota destemplada cayó en un instante crítico de la trama, en el momento de pronunciar por primera vez la palabra "Grial". Horton Murray no consiguió reponerse después de este traspié y su partida del escenario pareció ajustarse menos al hijo de Parsifal que abandona el reino de Brabante que a quien quiere apurar una situación tortuosa. Es probable que sea reemplazado en las funciones posteriores.

La soprano Ann Pertersen, en cambio, redimió a su salvador con una Elsa sin fisuras, tanto en la parte vocal como en la escénica. Segura, con graves consistentes, fue siempre expresiva y consiguió mantener la ambigüedad entre el éxtasis y el extravío. Se destacaron también el barítono James Johnson con un sólido Friedrich, la mezzo Janina Baechle con una Ortud que tuvo sus altos pero también pasajes de extrema volubilidad, y el bajo Kurt Rydl, de voz solvente pero acaso demasiado vibrato. Se lució el Coro Estable preparado por Peter Burian. Ira Levin consiguió un muy buen desempeño de la Estable, sobre todo en la cuerda, aunque su enfoque general fue quizás un poco enfático y no del todo suti

Lohengrin: Wagner, en el Colón Esta noche sube a escena una nueva versión de Roberto Oswald de este inolvidable drama romántico

2011-09-20T09:57:00.001-07:00

Esta es la quinta vez que encara Lohengrin , y tiene, además, en su haber cuatroParsifal , quince puestas de Tristán e Isolda , siete del ciclo El anillo del nibelungo , once de El buque fantasma ; y hasta ahí llegó su propia cuenta (quizá para no abrumar). Pero se sabe que también hizo Los maestros cantores y Tannhäuser . Roberto Oswald se sigue fascinando con el universo wagneriano a tal punto que le busca nuevas lecturas, miradas o ángulos a las historias y a la música que concibió el compositor alemán, que él conoce al detalle y que visitó tantas veces. Lejos de cansarse, el régisseur, escenógrafo e iluminador -que está por cumplir 50 años de carrera- se plantea como un desafío buscarle un giro a una nueva puesta, a investigar a fondo una idea que se le aparece para que no tenga algo que la contradiga más tarde. Por eso aceptó el convite a ponerse nuevamente al frente de este Lohengrin que esta noche, a las 20, sube a escena en el Teatro Colón con la dirección musical del estadounidense Ira Levin y con las actuaciones protagónicas de John Horton Murray -quien alternará su Lohengrin con Richard Crawley- y Ann Petersen, como Elsa de Brabant.

"Cada puesta es diferente de la anterior. En esta última me encontré con que el cuento es un poco ingenuo, que Lohengrin es el personaje soñado y que la protagonista es Elsa. Es ella la que, cuando está acusada injustamente de matar a su hermano, cae desvanecida en un sueño en el que aparece Lohengrin para salvarla", comienza la charla Oswald, que esta vez se mete con el simbolismo y el surrealismo, "que no es otra cosa que la representación del mundo de los sueños".

Como buen escenógrafo, muchas de sus ideas de puesta y de trabajo con los actores/cantantes las vuelca en papel. Y casi como si dibujara el storyboard de una película, el director plasma cada escena con muchos detalles y colores que, en este caso, tienen una importancia primordial. No es casual que hable de simbolismos y de sueños. Allí, en el papel se descubre cuando Elsa sueña, y cuando no; cuando aparece Lohengrin en lo que podría ser la mente afiebrada de una mujer desesperada, y cuando los que se hacen presentes son los "malignos", como les dice el director a Telramund y Ortrude.

Así se alternan los tonos pasteles con unos bellísimos azules sombríos. Pero ¿es un sueño? ¿Ha sido todo un sueño de Elsa? Roberto Oswald se ríe como si hubiese hecho una travesura.

Así es este hombre corpulento que está cerca de los 80, un niño. Cuando habla se entusiasma como si fuese a él a quien le cuentan un cuento fascinante; sólo que es él quien cumple el papel de narrador. Escucharlo a Oswald es como tomar una clase acelerada sobre Richard Wagner. Es difícil hacerle preguntas. Habla y encuentra solo los vericuetos por donde seguir? "De todos los personajes wagnerianos, el único con carácter de héroe es Lohengrin; el Holandés es una víctima; Tannhäuser podría ser un héroe, pero se corrompe y está esperando la redención del amor; Sigfrido es un antihéroe en el que todos ponen su esperanza de salvar el mundo pero termina desencadenando una tragedia; Tristán es un caballero ético que termina faltando a la ética por pasión y en consecuencia otro antihéroe; Walther von Stolzing nunca es un héroe en Los maestros cantores , simplemente un alumno de Hans Sachs, y Parsifal es la mano ejecutora del destino. Así, el único héroe es Lohengrin". Oswald toma aire.

Es por eso que es el personaje con el que el compositor se identifica más, al que cuida más, al que trata con más cariño. "Curiosamente, en esta obra aparecen muchas alusiones a una actitud moral frente a la vida que Wagner creía poseer, por eso Lohengrin es el reflejo de lo que el propio Wagner creía de sí mismo: un hombre rechazado que no podía proclamar lo que era porque no se lo iba a comprender, es decir su identidad estaba prohibida -como en la obra-. Aquí la actitud del personaje es de una rectitud, de una transparencia épica y moral absoluta, a tal punto que no es comprendido por su entorno; es un caballero incorruptible. Y Wagner también se creía incorruptible en esa época en que concibió esta ópera, y en un sentido lo era, en un sentido artístico: no sucumbió frente a las modas o frente a los ismos del momento. Personalmente creo que Wagner fue bueno cuando era pobre; cuando las cosas le empezaron a ir bien se volvió más cruel".

Oswald sigue sumando datos, detalles, descubrimientos que -en este caso- quedarán revelados en escena en la función de esta noche. El régisseur no se ahorró nada para hincarle el diente con ganas a esta ópera romántica, considerada la más italiana de las obras del compositor alemán. Para muchos, todo un elogio..

Gacetilla" La Traviata" con voces del coro del Colón

2011-09-20T09:54:00.001-07:00

Lohengrin, el drama musical de Wagner, regresa al Teatro Colón

2011-09-13T14:22:00.001-07:00

Ira Levin Dirección musical

La ópera del caballero del cisne, que vuelve a subir al escenario de nuestro primer coliseo después de 20 años, contará en esta oportunidad con la Dirección Musical de Ira Levin y la Dirección Escénica de Roberto Oswald.

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Las cinco funciones programadas se realizarán los días martes 20, viernes 23, miércoles 28 y viernes 30 de septiembre a las 20:00 horas y el domingo 25 a las 17:00 horas.

Lohengrin es una ópera romántica en tres actos que narra la historia del misterioso caballero del grial que viaja al reino de Brabante, transportado en un mágico cisne, para defender a la princesa Elsa, acusada de un crimen que no cometió. Lohengrin y Elsa se enamoran y el caballero pide la mano de su amada bajo la condición de que nunca le pregunte ni su nombre ni su origen. Este pacto no será cumplido y ocasionará una ruptura irreversible y el regreso de Lohengrin a su tierra natal.

Richard Wagner, compositor, director de orquesta, dramaturgo y teórico musical alemán del Romanticismo, ha dejado un invaluable legado artístico. Sus obras operísticas, como El holandés errante, Tannhäuser, Tristán e Isolda, Lohengrin, Parsifal y El Anillo de Nibelungo dan cuenta de su personal estilo compositivo en el que el papel orquestal y la dramaturgia se entrelazan e ilustran en una magnífica progresión del drama musical.

Las localidades para el público general estarán a la venta a partir del miércoles 14 de Septiembre en la boletería del Teatro Colón (4-378-7109), Tucumán 1171 de lunes a sábado, de 10:00 a 20:00 horas y domingo de 10:00 a 17:00 horas. O por internet ingresando a: www.teatrocolon.org.ar. Localidades desde $30.

Programa

Música de Richard Wagner
Libreto de Richard Wagner
Dirección musical: Ira Levin
Dirección de escena, Diseño de Escenografía e Iluminación: Roberto Oswald
Colaborador Escenográfico: Christian Prego
Diseño de Vestuario: Aníbal Lápiz
Coro Estable del Teatro Colón
Orquesta Estable del Teatro Colón

Reparto

Lohengrin . . . . . . . . . . . . . . John Horton Murray * (20/9 y funciones a designar)
Richard Crawley (funciones a designar)
Elsa de Brabant . . . . . . . . . . . . . . Ann Petersen (20, 23, 25, 28 y 30/9)
El Rey Enrique I . . . . . . . . . . . . . . Kurt Rydl (20, 23, 25, 28 y 30/9)
Frederick de Telramund . . . . . . . . . . James Johnson (20, 23, 25, 28 y 30/9)
Ortrude . . . . . . . . . . . . . . Janina Baechle
El Heraldo del Rey . . . . . . . . . . . . . . Gustavo Feulien
Noble de Brabant 1 (tenor) . . . . . . . . . Mathias Schulz
Noble de Brabant 2 (tenor) . . . . . . . . . Carlos Ullán
Noble de Brabant 3 (bajo) . . . . . . . . . Sebastiano De Filippi
Noble de Brabant 4 (bajo) . . . . . . . . . Marcelo Boluña
Pajes* . . . . . . . . . . . . . . Tobías Campos

Marianella Nervi Fadol
Jorge Chamarro
María Constanza Leone
Sofía Randazzo
Paula Nigrelli
Lourdes De Martino Curiel
Ramiro Cony
María Milagros Caballero
Octavio Tacón Murillo
Mateo Zucker
Julieta Unrein

* Integrantes del Coro de Niños del Teatro Colón

Doncellas ……………………… Laura Polverini
Mariana Mederos
Gabriela Ceaglio
Roxana Horton
Cintia Velázquez
Cecilia Aguirre Paz
Myriam Casanova
Ana Larreategui

2011-09-03T15:02:00.001-07:00

EL CORO ESTABLE DEL TEATRO COLÓN EXPRESA SU MÁS SENTIDO PÉSAME A LA MAESTRA SUSANA CARDONNET POR EL FALLECIMIENTO DE SU AMADO HIJO.

FUERZA SUSANA!

Teatro Colón...se viene "Lohengrin"

2011-08-31T09:21:00.000-07:00

Lohengrin

Música de Richard Wagner
Libreto de Richard Wagner

Dirección musical: Ira Levin
Dirección de escena, Diseño de Escenografía e Iluminación: Roberto Oswald
Colaborador Escenográfico: Christian Prego
Diseño de Vestuario: Aníbal Lápiz

Coro Estable del Teatro Colón
Director: Peter Burian

Principales intérpretes: Michael Hendrick, Ann Petersen, James Johnson, Janina Baechle, Kurt Rydl

Wagner vuelve al Teatro Colón, retomando su tradición en ópera alemana de la que siempre ha sido líder en nuestro país. Voces de primera línea darán vida a la historia del misterioso héroe transportado por el cisne y su amor por Elsa, en el marco visual de una de las duplas más apreciadas por nuestro público: Roberto Oswald y Aníbal Lápiz.

Fechas y Horarios

20.09.2011 | 20:30 hs.
23.09.2011 | 20:30 hs.
25.09.2011 | 17:00 hs.
28.09.2011 | 20:30 hs.
30.09.2011 | 20:30 hs.

NO A LOS DESPIDOS!!!!!

2011-08-30T16:58:00.000-07:00

SINDICATO UNICO DE

TRABAJADORES DEL ESTADO

DE LA CIUDAD DE BUENOS AIRES
ADHERIDO A LA CGT

PERSONERIA GREMIAL Nº 91

NO A LOS DESPIDOS!!!!!

En el día de la fecha el Consejo Directivo de SUTECBA ha tomado conocimiento de la Resolución

Nº519 /EATC /2011, del 24 de agosto del corriente año, mediante la cual se dejan cesantes a 8 trabajadores delTeatro Colón, acusados de haber suspendido funciones programadas.

A raíz de ello, la conducción de éste gremio ha decidido:

1) Reclamar a las autoridades del Ente Autárquico Teatro Colón, la revisión de la medida adoptada, dejando sin efecto la sanción impuesta, dado que la misma resulta absolutamente desproporcionada en relación a los motivos que le dieron origen.

2) Es necesario recordar, que durante el extenso lapso durante el cual éste Teatro permaneció cerrado, se produjo una situación generalizada de anarquía, debido a la dispersión del personal, la incertidumbre de los trabajadores respecto de su futuro laboral, la actuación errática y expulsiva de las autoridades que, sin justificación racional alguna, y desoyendo las propuestas de este gremio, eliminó de la planta, en una primera instancia, alrededor de 200 trabajadores; disolvió áreas, no brindó instalaciones adecuadas para los ensayos, careció de una actitud previsora para la puesta en escena de diversas obras, generando todo ello una serie de conflictos que no terminaron de superarse.

3) No obstante, la buena predisposición de las partes, luego de las controversias, logró alcanzar acuerdos que permitieron, en conjunto, reencauzar la situación y establecer las bases para una convivencia armónica.

En aras del mantenimiento y fortalecimiento de esta relación, entre empleados y funcionarios políticos, que en definitiva aportan al robustecimiento del Primer Coliseo Lírico Argentino, es que apelamos a las autoridades para invitarlos a que contribuyan, con razonabilidad y humildad, tal como lo hacemos cotidianamente los trabajadores, a superar el escollo que plantea el temperamento punitivo adoptado, cuyas consecuencias serán familiar y socialmente graves. Su derogación constituirá un paso trascendental que nos acarreará la armonía deseada.

4) Finalmente, ratificamos nuestra inquebrantable voluntad de garantizar la estabilidad del Empleado Público, defender los derechos de los trabajadores e impedir la comisión de comportamientos que, amparados por la discrecionalidad que el poder formal confiere, resulte arbitrario, injusto o agraviante para la dignidad del trabajador.

Patricio Datarmini Amadeo N. Genta

Secretario Adjunto Secretario General

CONSEJO DIRECTIVO

MUNICIPALES DE CAPITAL

Ricardo Ochoa quedó fuera del Teatro Colón

2011-08-29T09:09:00.000-07:00

Ricardo Ochoa quedó fuera del Teatro Colón

Sábado, 27 de Agosto de 2011 21:44

San Juan.- El tenor sanjuanino lleva 30 años como integrante del coro estable del teatro más importante de Argentina y recibió una notificación de cesantía del gobierno porteño, que también afecta a 7 compañeros de trabajo. Integra una junta que responde al gremio ATE que reclama mejores condiciones salariales. Si pierde los fueros gremiales, su despido podría ser efectivo.

or reclamar sus derechos. Por eso cesantearon, el pasado 24, al tenor Ricardo Ochoa de su puesto en el Coro Estable del Teatro Colón.
Desde el año pasado, el personal de esa institución está en conflicto con el Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires por reclamos salariales y de mejoras en las condiciones de trabajo.
“Me despidieron. Somos 7 músicos que integramos una junta interna del gremio ATE y un compañero que pertenece a la orquesta estable que no tiene fueros gremiales. Él, en algún momento, participó de las reuniones paritarias del Teatro y por eso lo echaron. En cuanto a nosotros, el Gobierno de Macri pidió el desafuero para hacer efectiva la cesantía”.
A diferencia de Carlos Fernández, el músico no sindicalizado, Ochoa puede ingresar al Teatro y continuar trabajando. “No se hará efectiva la cesantía definitiva hasta que se demuestre si efectivamente somos delegados gremiales o no. A partir de allí, recurriremos a las instancias necesarias en la Justicia. Lo que nos preocupa es la situación de quien quedó en la nada”, afirmó.
La junta a la que pertenece Ochoa tiene 5 juicios contra el Gobierno porteño y esa es la razón por la que el músico considera que los quieren fuera del Colón. “Es lógico que pretendan descabezar a los que estamos haciendo reclamos justos: como el traslado de compañeros, acciones que afectaron el patrimonio del Teatro y ajuste de haberes. Tenemos un gran enfrentamiento y Macri aprovechó el apoyo que tuvo en la reelección para actuar”.
En la reciente negociación por paritarias, la junta mencionada no fue invitada. Sin embargo, estuvieron porque el juez interviniente en la causa los convocó. “Nunca respondieron nuestros pedidos. Este conflicto lleva casi un año y puntualmente había un pedido formal del 40% de aumento”, detalló.
Después, se sucedieron los paros y las manifestaciones musicales de las que se hicieron eco los medios nacionales.
“El Teatro está mal manejado; parte de sus instalaciones están destrozadas y se le hizo creer a la gente que estaba todo bien. Vamos a seguir luchando”, sentenció el sanjuanino.

Coro Estable del Teatro Colón. Ensayo Lohengrin Cuerda masculina

2011-08-26T14:07:00.000-07:00

TENORES Y EL DO SOBREAGUDO

"El Colón en el Colón" Estrellas de la ópera. Exposición fotográfica de Arnaldo Colombaroli

2011-08-22T09:00:00.000-07:00

Falleció Néstor Gibert, Bajo del Coro Estable del Teatro Colón

2011-08-21T18:32:00.000-07:00

NÉSTOR GIBERT

BAJO DEL CORO ESTABLE DEL TEATRO COLÓN

+IN MEMORIAN

EL CORO ESTABLE DEL TEATRO COLÓN OFRECE SU MÁS SENTIDO PÉSAME A LA FAMILIA DE NÉSTOR ADEL GIBERT, QUIEN FUERA INTEGRANTE DEL CORO ESTABLE DEL TEATRO COLÓN.

Gaceetilla:Lucía di Lammermoor. Solistas: integrantes del Coro del Teatro Colón.

2011-08-19T19:37:00.000-07:00

Juventus Lyrica presenta el anteúltimo título de su temporada 2011: Lucia di Lammermoor de Gaetano Donizetti. La ópera se estrena el viernes 26 de agosto y contará con la dirección escénica de la actriz y directora Leonor Manso y la dirección musical del joven Hernán Sánchez Arteaga. La escenografía e iluminación estarán en manos de Gonzalo Córdova, y el vestuario será diseñado por Mini Zuccheri.
Considerada una joya del bel canto italiano, Lucia di Lammermoor narra una historia de amor entre miembros de dos familias que se odian desde tiempos inmemoriales. Su famosa “escena de la locura” trascendió la partitura y se convirtió en uno de los episodios más célebres en la producción operística universal.

Gaetano Donizetti

Lucia: Laura Polverini / Ivana Zacarías (cover)

Edgardo: Nazareth Aufe / Leonardo Pastore

Enrico Ashton: Sebastián Angulegui / Cristian Maldonado

Raimondo: Roman Modzelewski / Christian De Marco

Alisa: Griselda Adano / Verónica Canaves

Lord Arturo Bucklaw: Iván Maier/ Pablo Gaeta

Normanno: Iván Maier / Santiago Sirur

Laura Polverini

Coro
Maestro preparador: Miguel Pesce
Sopranos: Cecilia Barba, Fernanda Chávez Doldán, Bárbara Couto, Claribel Gómez, Samanta Jaume, Natalia Noceti, Clara Pinto, Ivana Zacarías.

Mezzosoprano: Laura Álvarez Renedo, Laura Benítez, Verónica Cerezo, Eleonora Kifer, María Lucía Kolarovic, Melina Maio, Nadia Mancini, Carolina Mion.

Tenores: Adrián Barbieri, Nicolás Chaied, Sebastián Diedrich, Ezequiel González, Maximiliano Illanes, Ariel Jorquera, Diego Miguel, Ramón Novoa, Rodolfo Pettinicchio, Nicolás Sánchez, Cristian Taleb.

Bajos: Ignacio Agudo, Juan Feico, Nicolás Foresti, Juan Ingelmo, Norberto Lara, Federico Meyer, Gastón Meza, Augusto Nurueña, Agustín Solari, Alejandro Tettamanzi, Gustavo Vita.

Crítica. “Pelléas y Mélisande” La única ópera que escribió Debussy volvió al Colón, después de doce años.

2011-08-14T09:41:00.001-07:00

Envolvente y evocativa

Crítica. “Pelléas y Mélisande” La única ópera que escribió Debussy volvió al Colón, después de doce años.

11.08.2011 | Por Laura Novoa Especial Para Clarín

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Tras doce años, volvió a presentarse en el Colón Pelléas y Mélisande , de Debussy. La única tentativa teatral del compositor francés logró sobrevivir como intento un tanto solitario junto con las diversas búsquedas episódicas de confrontar el antagonismo entre el drama musical italiano y alemán. Debussy encontró en la naturaleza misma del texto de Maeterlinck el modo de expresar sus ideales dramáticos y compatibilizarlos con su estética sonora.

La directora escénica de esta nueva producción, Olivia Fuchs, reubica la configuración original vagamente medieval en otra indefinida e insondable y, junto con el escenógrafo Yannis Thavoris, se hace eco del contenido simbólico del texto con un lenguaje visual más bien abstracto, antes que naturalista o simbolista. Bloques de geometrías obtusas y discordantes en blanco y gris son los dispositivos por los que los personajes, atrapados en una oscuridad literal y metafórica, deambulan envueltos en el misterio. Sin embargo, el vestuario de época contrasta con esta línea abstracta, y se convierte en una huella de la sociedad contemporánea de Debussy, a la que Mélisande cuestiona.

El espacio escénico es inestable, particularmente desde una explanada endeble que desafía continuamente a los cantantes a entregarse a la tentación de bienestar que proporciona la música.

La mayor parte de las acciones transcurren en exteriores (el bosque, la costa, el jardín), pero prácticamente no existe contraste con los interiores opresivos. La escenografía apunta mínimos cambios y muy pocas veces usa el color en contraste con el fondo oscuro, gris y negro. Apenas aparecen unas telas rojas agitadas por el cuerpo de baile en el cuarto acto que tienen un efecto poderoso y anticipatorio del trágico final. La iluminación colabora sutilmente en la intensificación de los dramatismos individuales, e ilustra bien los cambios en el ánimo de los personajes. La continuidad envolvente de los interludios está bellamente resuelta por un cuerpo de baile que oficia al mismo tiempo de tramoyista.

Anne Sophie Duprels interpretó una Mélisande menos concentrada en su erotismo y seducción y más sanguínea. Los barítonos brindaron esa oscuridad mezclada con virilidad y jovialidad que sus personajes requerían. Sin embargo, la incertidumbre interior de Golaud, que crece linealmente de la incomprensión a la violencia, quedó un poco desdibujada en la actuación de Marc Barrard, aunque se impuso de manera inquietante en los actos cuarto y quinto. También la ingenuidad juvenil de Pelléas (el barítono Markus Werba) resultó un poco sobreactuada, y, como Barrard, encontró su punto justo en el cuarto acto.

La mezzo Vera Cirkovic fue una correcta Geneviéve. Lo mismo puede decirse de la soprano Fabiola Masino (Yniold). Mariano de Salvo y Sebastiano de Filippi acompañaron con solvencia al elenco principal.

Fue destacable la actuación de Kurt Rydl, el único cantante de caudal voluminoso de esta producción. Su Arkel le dio fuerza intensa al trágico final. La orquesta, impecablemente dirigida por Emmanuel Villaume, logró transformarse, con sutileza y refinamiento, en ese “piso que respira”, sugerido por Boulez en su exquisito ensayo sobre Pelléas.

.. El desempeño de los músicos de la orquesta logró ampliar largamente las cualidades evocativas del texto.

Pelleás y Mélisande
opera
autor Claude Debussy lugar Teatro Colón. Temporada 2011 Funcion Martes 9 de agosto 2011. Repite viernes, domingo, miércoles 17 y viernes 19.
Muy bueno

Crítica PELLEAS ET MELISANDE, DE CLAUDE DEBUSSY, EN EL TEATRO COLON

2011-08-14T09:38:00.000-07:00

El problema de la ambigüedad

Aunque correcta en lo vocal y musical, la puesta no termina de definir su camino estético y termina diluyendo la historia.

Por Diego Fischerman

Pelléas et Mélisande es una ópera de silencios. De ambigüedades. El drama transcurre, en gran parte, en el territorio de lo no dicho. Pero, también, es un relato de tensiones. Esa bruma –una corona perdida que no debe rescatarse, un anillo desaparecido, vínculos nunca aclarados del todo– contrasta con poderosos conflictos terrenales: los celos, una hija demasiado pequeña, la tumultuosa relación entre dos hermanos, la traición y hasta el asesinato. En rigor, cualquier lectura que apueste a uno solo de estos polos dramáticos perderá no sólo gran parte de su riqueza sino algo que forma parte de la propia concepción de Claude Debussy con respecto a un género que, como la ópera, había llegado, en los fines del siglo XIX –y en gran medida por el efecto de una obra como Tristán e Isolda de Wagner–, a una suerte de agotamiento.

La puesta de Olivia Fuchs que acaba de estrenar el Teatro Colón, con un buen reparto vocal y correcta en lo musical, lejos de jerarquizar los distintos factores que construyen una narratividad de extraña tridimensionalidad, no se decide claramente por ninguno de ellos, navega en indefiniciones y se contradice a sí misma en más de un aspecto. Ni realista ni mágica, destruye el verosímil con espasmos de irrealidad y corrompe la abstracción con efluvios de naturalismo. Donde la distancia de una escenografía simbolista podría tener algún efecto, el estilo inquieto y saltarín del buen barítono Markus Werba construye un Pelléas que nunca se sabe muy bien ni de dónde viene ni a dónde va con tantos bríos. Y toda su energía escénica y su sacudimiento de cabellera, por otra parte, no alcanza para decir absolutamente nada acerca de la relación con su hermano Golaud ni con la culpa que lo consume ni con la traición que consuma. Si bien su caracterización podría corresponderse con las abundantes menciones del texto a su juventud e impulsividad, nada hay allí de las sombras y melancolías sin las cuales, sencillamente, muchas de sus acciones carecen de motivo. Tampoco su vocalidad expansiva y extrovertida es la mejor elección para su personaje, aun cuando su línea de canto fue impecable y lució uno de los timbres más bellos para su registro en la actualidad.

No fue una buena elección, en ese sentido, fijar los vestuarios en la alta burguesía francesa de la época de los autores y no en esa especie de medievalismo inventado que construye gran parte del núcleo de la obra original. Y es que esa antigüedad mitificada, para Debussy, estaba lejos de limitarse a un aspecto decorativo. Para él –como para Satie, que se definía a sí mismo como “medievalista de cabaret”, y, por supuesto, para el Tristán wagneriano–, el arcaísmo era una manera de fundar una genealogía. Lo alemán en Wagner tenía su correlato en esta francesidad que Debussy creía encontrar en el pasado. La escenografía fuertemente abstracta diseñada por Yannis Tavoris –curiosamente también responsable del vestuario– se lleva a las patadas con ese ceñimiento temporal que, en todo caso, tampoco genera tensión ni significado teatral. Tampoco resulta afortunado el prisma en forma de trapecio –una especie de desangelado acoplado de camión frigorífico, en falsa perspectiva– y el abuso en sus rotaciones, durante toda la parte inicial (en la que Fuchs agrupó los primeros tres actos). La iluminación de Bruno Poet aporta sugerencia a la escena, sobre todo a la segunda parte, pero todo obedece más a meras cuestiones esteticistas que a necesidades dramáticas. Y la coreografía de Claire Whistler, convencional y agrisada, más allá de los desajustes en la ejecución, no es capaz de aportar ni claridad ni misterio.

La Mélisande de Anne Sophie Dupreis, correcta aunque algo estentórea –habría que recordar la recomendación de Debussy a los cantantes, para que, al interpretar esta obra olvidaran su condición de tales– y el Golaud de Marc Barrard, más impulsivo que atormentado, fueron parte de un elenco de buenas voces donde quien mejor dio el tono fue el veterano Kurt Rydl como Arkel. No desentonaron Vera Cirkovic, como una Geneviève de potentes graves, el niño de Fabiola Massino y Mario de Salvo y Sebastiano De Filippi en sus breves intervenciones como el médico y el pastor, respectivamente. La dirección musical de Emmanuel Villaume fue rigurosa en los matices y en la definición de planos pero no contó con una orquesta suficientemente cómplice. Tanto el corno inglés, en sus partes solistas, como cornos, trompetas y cuerdas medias tuvieron considerables dificultades para lograr fluidez y flexibilidad en el fraseo, tornando casi imposibles las necesarias oleadas sonoras de la partitura.

6-PELLEAS ET MELISANDE

Opera de Claude Debussy basada en el drama de Maurice Maeterlick

Dirección musical: Emmanuel Villaume

Dirección de escena: Olivia Fuchs

Diseño de Escenografía y Vestuario: Yannis Tavoris

Coreografía: Claire Whistler

Reparto: Markus Werba, Anne Sophie Duprels, Marc Barrard, Kurt Rydl, Fabiola Masino, Vera Cirkovic y Mario De Salvo.

Orquesta Estable del Teatro Colón.

Coro Estable del Teatro Colón.

Teatro Colón, martes 9. Nuevas funciones: martes 16 y miércoles 17, a las 20.30.

María Luján Mirabelli en "IL TROVATORE" Crítica

2011-08-05T14:55:00.000-07:00

Fotos cortesía de Javier Súnico Raborg

Por Gonzalo Tello

operaperu.com

Este 2011 es un gran año para la cultura peruana. No solo se reabre nuestro principal Teatro Municipal después de estar apagado casi 14 años, sino que además, gracias a la iniciativa gubernamental y de la empresa privada, algo que hasta ahora es increíble pero se agradece que sea cierto, Lima cuenta con un Teatro contemporáneo que reúne lo último en tecnología para producir grandes espectáculos y que nos ponen a la par con importantes ciudades del mundo. Da gusto poder volver a ver opera en nuestro principal teatro, el cual le da nueva energía a nuestra escena cultural y la sofistica.

“Il Trovatore” es, junto a “Rigoletto” y “La Traviata”, parte de la trilogía que catapulta a Verdi como el gran compositor italiano, y de sus primeras obras que imprimen la psicología en sus personajes. “Il Trovatore” es a diferencia de las otras, la obra más compleja y complicada de montar a escena. Por varias cosas, se necesita a cuatro cantantes lo suficientemente buenos musical y escénicamente; Se necesita una orquesta que tenga la llama verdiana y esté al nivel de esos cantantes; y una puesta en escena que tenga todo el vigor que el texto reclama.

En el sentido escénico, el argentino Carlos Palacios, quien debutó en Lima el año previo con los montajes de “Cavalleria Rusticana” e “I Pagliacci” en el Teatro Segura, nos presenta su visión de “Il Trovatore” basada en las cartas del tarot antiguo, barajas del siglo 15, la época medieval en que Verdi situa la trama de esta ópera. Estas cartas se muestran gigantes sobre la escena, desplegadas por los diferentes cuadros y están tanto impresas como también algunas cobran vida, pues los protagonistas de esta producción incluso forman parte de ellas. Vemos La Torre, a Los Amantes, a La Gitana, El Fuego de la pira, El Verdugo, entre otras figuras. Estéticamente, esta puesta es bella por su idea y concepto, sin embargo, para la complejidad de “Il Trovatore” en estos últimos tiempos, es necesario impregnar al movimiento escénico la crudeza y rudeza que el texto nos cuenta, algo en lo que creo no destaca esta produccion. Para una generación de gente mayor, es completamente efectiva, pero para los nuevos públicos, que aun no procesan con tanta rapidez los numerosos simbolismos que esta nos presenta, la falta de movimiento en escenas clave le quita el peso necesario que le pueda faltar al ritmo musical y escénico. En este caso, creo que al terzetto del primer acto esta falta de agilidad escénica es crucial, y ablanda la propuesta.

La soprano italiana Maria Pia Piscitelli como Leonora es formidable. Su voz es típica de una gran soprano verdiana con un fraseo elegante, notas en su lugar y gran entrega dramática, como demuestra toda su escena en el cuarto acto. Desde el recitativo previo al “Tacea la notte placida” se notan estas características. El aria “Amor sull’ali rose” es excelente, asi como el “Miserere” es conmovedor. Magnifica también en el duetto con el Conde de Luna interpretado por Giuseppe Altomare, en este ambos interpretes logran un excelente nivel en su compenetración escénica y vocal, que nos evoca estar en alguno de los grandes teatros de ópera, donde estos interpretes frecuentan. Este es uno de los puntos máximos de toda la puesta.

El tenor catalán Josep Fadó, quien debuta en Lima en el rol del trovador Manrico, es el personaje con el mayor reto, pues debe interpretar con alto nivel todo su papel, complicado y exigente desde el inicio, y porque la cavaletta “Di quella pira” es siempre esperada por el público, y donde el agudo final es determinante. Sin embargo, es lo menos importante, pues Manrico debe ser evaluado por la calidad del fraseo y la correcta técnica para poder llegar integro al final de la obra. Fadó cuenta con un fraseo correcto, interpretando “Deserto sulla terra” y “Miserere” fuera de escena con buenos resultados y bella linea musical, además destacando en el duetto “Mal reggendo” con Azucena. Si bien Fadó está al límite de sus posibilidades en su gran aria “Ah si ben mio” y la cavaletta, las ejecuta con gran calidad y proyección.

El barítono Giuseppe Altomare es un autentico cantante verdiano, eso lo demostró hace un tiempo en el rol de Germont, y esta vez en el completo rol del Conde de Luna. Musicalmente parejo, agudos espectaculares y fraseo elegante, su gran momento fue en el segundo acto, con su única aria “Il balen del suo sorriso”. Como ya es costumbre, nos entrega una impecable interpretación y gran presencia escénica, propia de su experiencia en las mejores compañías. Como dije antes, su mejor momento fue en el duetto con Leonora en el último acto, donde el nivel es sobresaliente.

En el rol que en mi opinión y la de muchos es el más intenso e importante de la obra, es el de la gitana Azucena, interpretada esta vez por la mezzo argentina Maria Luján Mirabelli. Este quizá sea el rol más exigente que le haya tocado a Luján Mirabelli y la lleva al máximo esfuerzo vocal. Su experiencia sobre las tablas se muestra clara como una gitana asfixiada por los recuerdos del pasado, y el tormento de la venganza que debe realizar hacia el final de la obra. Aunque por momentos se siente que hay un esfuerzo de la voz por mantenerse a flote sobre la orquesta, el resultado es conmovedor, y apoyado por un gran color en la voz que conmueve, sobretodo al final de la obra, cuando Azucena canta “Ai nostri monti”. Su primera aria, “Stride la vampa” es técnicamente correcta, y el duetto con Manrico es dramáticamente efectivo, aunque un tanto monótono por la falta de movimiento escénico.

Destacado también es el bajo uruguayo Marcelo Otegui en el rol de Ferrando, quien inicia la obra con una escena muy complicada, el recuento de la historia que precede a la ópera, y que Otegui interpreta correctamente.

“Il Trovatore” es una de las óperas de la época media de Verdi que contiene los más bellos coros y exigen gran entrega de este. El Coro de gitanos, así como el coro del tercer acto son primordiales y necesitan voces importantes para dar una gran espectáculo. El Coro Nacional de con el color y la fuerza verdiana para destacar en sus números de buena manera. Sin embargo por el lado escénico, le falta trabajar mucho, y aunque la propuesta de Palacios los mantenía firmes gran parte del tiempo, aun necesitan la soltura propia del teatro, más aun del teatro actual, que exige cada día mas del lado visual. Este elemento es primordial para poder interpretar obras más exigentes del repertorio y no caer en monotonía que pueda percibir el público y desinfle el trabajo logrado.

Correcta en su interpretación estuvo la soprano Maria Luisa Bringas como Inés. Buen color y de voz y proyección, aunque falta aun la soltura escénica adecuada. Igualmente destacado el tenor Wilson Hidalgo en el breve rol de Ruiz.

El director de la orquesta, Espartaco Lavalle Terry, dio una correcta y por momentos dinámica interpretación musical de la obra. Dirigiendo a la Orquesta Sinfónica Nacional logró buen ritmo y cohesión de los músicos, consiguiendo momentos inspirados. Sin embargo el espíritu verdiano no estuvo presente, debido quizá a que la orquesta no está permanentemente interpretando ópera, y por eso no sobresalió como hubiera podido. En este sentido se obliga al director a “jugar a salvo” y no poder ser audaz en pasajes que podrían ir más rápido o con mayor ímpetu, sobretodo en cavalettas y concertantes. Hay que destacar eso si el gran final del segundo acto, el cual sacó lo mejor de todo el elenco.

Punto a favor de Romanza el haber juntado un elenco de gran nivel, y el haber incrementado el número de coreutas y músicos en la orquesta. Económicamente es complicado, sobretodo en una compañía joven, pero el resultado final es de una producción de alto nivel que a mediano y largo plazo atraerá a mejores intérpretes y levantará el nivel ya en crecimiento de nuestras temporadas en Lima.

Gacetilla: "Tarde de Opera - La Traviata"

2011-08-05T05:45:00.001-07:00

Crítica "Simón Boccanegra" Teatro Colón. Una velada memorable de ópera.

2011-07-31T20:37:00.000-07:00

“Simon Boccanegra” en el Teatro Colón, una memorable velada de ópera

Desde hace más de un año la ópera “Simon Boccanegra” de Giuseppe Verdi recuperó gran relevancia mundial gracias a que Plácido Domingo se puso en la piel del corsario devenido en Dux de Génova. Está claro que el hecho de que Domingo asuma un rol es relevante, pero más aún lo es si ese personaje no pertenece a su registro vocal. El gran tenor se volvió barítono y recorrió los escenarios más importantes con esta “novedad”. Más allá de si Domingo pasó bien o no la proeza de cambiar su registro por esta ópera (luego lo hizo de manera olvidable con “Rigoletto”) lo que en este caso nos atrajo fue el barítono argentino que llevó adelante en la noche del viernes 29 de julio en el Teatro Colón, un Simon Boccanegra brillante, con voz sensible y segura. Omar Carrión paseó la figura del corsario genovés en las tablas del histórico teatro de manera memorable.

La presentación de “Simon Boccanegra” de Giuseppe Verdi en el Teatro Colón fue una verdadera clase de cómo se produce una ópera, “una puesta sin tiempo”. En épocas en las que el género se ve expuesto a grandes aggiornamientos que tienen que ver con lograr mantenerlo vivo en un presente muy competitivo, la puesta en escena de José María Condemi, el diseño de Cameron Anderson y la iluminación de Roberto Traferri fue un verdadero viaje sin tiempo. Por momentos me imagine sentado en ese mismo asiento de la fila 13 pero 80 años atrás y podía jugar a recorrer cualquier año pasado que la puesta hubiese sido la misma. Sentí orgullo y placer de estar asistiendo a una velada de ópera pura y plena, tradicional, con un elenco también sin tiempo y en un coloso donde la historia siempre está presente.

Un elenco importante para una ópera excelente, Verdi logra en su madurez llevar adelante de manera perfecta la refundación de “Simon Boccanegra”. La ubica dentro de las óperas serias y maduras junto a “Don Carlo”, “Otello” y “Falstaff”. Boccanegra es un personaje formidable, un corsario que mata solo dentro del contexto de una batalla, que ama y sueña, perdona y reflexiona. Boccanegra no es más que un hombre que está dispuesto a morir por amor y que sin quererlo llega a ser Dux de Génova justo en el momento en el que quiere ir tras los pasos de su amada muerta. “El quiere una tumba y recibe un trono”.

Simon Boccanegra fue interpretado por grandes barítonos, en el mismo Teatro Colón el gran José Van Dam lo hizo en el año 1995. En la historia mundial recordamos a Tito Gobbi, Lawrence Tibbett, Leonard Warren, Piero Cappuccilli y Sherril Milnes. Éste último, gran barítono estadounidense, lo interpretó en el año 1984 en el Met de manera brillante y mi referencia a esta actuación no es casual. Vi y sentí en Omar Carrión muchas similitudes con Milnes, y más allá de su parecido físico (y de haber tomado clases y cantado junto a él), su voz es digna de resaltar. Carrión es un barítono reconocido y que ha interpretado gran variedad de personajes en su registro por el mundo. Su interpretación de Boccanegra fue realmente importante, su caudal de voz se suma a una gran técnica y una fina vena actoral que le permite ser creíble en cada faceta del personaje. Con Carrión, “Boccanegra” toma vida de manera inolvidable. Bravo por Omar Carrión!

Debo aclarar que el elenco del día 29 de julio era el elenco “secundario” de esta puesta del Teatro Colón, pero de secundario nada tenía. La soprano Virginia Wagner interpretó a María Boccanegra de forma excelente, llegando a puntos muy altos en el dúo junto a Carrión cuando el Dux descubre que Amelia Grimaldi es en realidad su hija María. Gustavo López Manzitti llevo adelante un impecable Gabriele Adorno, es que Manzitti es un gran tenor con presencia escénica y un potente caudal de voz (lamentablemente esto último no siempre va de la mano del lirismo que uno busca en un tenor, el caudal juega de manera peligrosa entre los registros más altos y más bajos pero tratándose del tipo de tenor de Verdi donde el tratamiento de las voces ya no sigue el sencillo principio del bel canto, sino que se profundiza hasta convertirse en una verdadera descripción del alma, Manzitti cumple con creces su actuación). Las voces más oscuras fueron impecables, en primer lugar el bajo venezolano Ernesto Morillo Hoyt intrepretó a un Jacopo Fiesco sin fisuras, con gran versatilidad y manejo en los tonos más bajos. Por su parte el joven bajo-barítono Emiliano Bulacios impactó con una voz fuerte y plena, su Paolo Albiani fue correcto.

La orquesta sonó de principio a fin de manera ajustada, con esta ópera Verdi ha reservado para la orquesta un espacio que no posee ninguna obra italiana de la época y la música siempre tuvo presencia en escena de la mano del maestro Carlos Vieu. El Coro del Teatro Colón es brillante, bajo la dirección de Peter Burian las voces en masa más lejanas y cercanas fueron impactantes, en escena y fuera el coro sonó unánime.

Verdi ha creado con “Simon Boccanegra” una de sus óperas más espléndidas. La melodía fluye con perfecta regularidad desde la primera hasta la última escena; ya no se divide en “números” separados, como sucede en “Rigoletto” e “Il trovatore”, sino que liga cada cuadro formando una unidad completa. “Simon Boccanegra” en el Teatro Colón fue una conexión histórica, una memorable velada de ópera donde la estrella fue el conjunto de voluntades profesionales de la música. Bravo!

Alejandro César Villarreal
Director de hagaselamusica.com

Pelléas et Mélisande en el Colón- Temporada 2011

2011-07-30T17:06:00.000-07:00

Pelléas et Mélisande

Música de Claude Debussy
Libreto de Maurice Maeterlinck y Claude Debussy, basado en la pieza teatral homónima de Maurice Maeterlinck

Dirección musical: Emmanuell Villaume
Dirección de escena: Olivia Fuchs
Diseño de escenografía y vestuario: Yannis Thavoris

Coro Estable del Teatro Colón
Director: Peter Burian

Principales intérpretes: Marcus Werba, Anne-Sophie Duprels, Marc Barrard, Kurt Rydl, Fabiola Masino, Vera Cirkovic

Sensible y revolucionaria a la vez, con esta obra Debussy inaugura una nueva etapa en la historia de la ópera. Un texto de inmensa poesía que ya no necesita de la rima, y una música vaporosa y sutil, capaz de crear las más variadas atmósferas, dan inicio a una historia de amor íntima y apasionada. Puesta por última vez en 1999, el Colón se apresta a revivir esa singular experiencia de la mano de un notable elenco internacional.

Fechas y Horarios

09.08.2011 | 20:30 hs.
12.08.2011 | 20:30 hs.
16.08.2011 | 20:30 hs.
17.08.2011 | 20:30 hs.

Crítica: Revista Noticias "Simón Boccanegra" Sólo la maravillosa música de Verdi

2011-07-30T16:50:00.000-07:00

“Simón Boccanegra”, de Giuseppe Verdi. Con Roberto Frontali, Ángela Marambio, Gustavo López Manzitti, Konstantin Gorny y Fabián Veloz. Dirección: Stefano Ranzani. Teatro Colón.

Por Margarita Zelarayán

Profunda y oscura, “Simon Boccanegra” fusiona la intriga política y el drama personal de sus protagonistas, con la magistral música de Verdi. Después de su estreno en 1857, el compositor revisó intensamente la obra, hasta presentar la versión definitiva en 1881.

La puesta de José María Condemi buscó combinar una escenografía simbólica y un vestuario de época perteneciente al Colón. Con la estructura de un barco abandonado dominando la escena, la propuesta fue visualmente atractiva, pero dramáticamente inconsistente. La marcación actoral tampoco resultó convincente, con una tendencia al estatismo que contribuyó a restarle fuerza dramática a la trama.

El rol de Simon, el corsario que se convierte en Dogo de Génova, es uno de los grandes papeles para barítono del repertorio verdiano, y el italiano Roberto Frontali tiene todos los recursos vocales para abordarlo. Tuvo momentos logrados en los que su voz sonó robusta y contundente, aunque su construcción del personaje careció de matices. La soprano Ángela Marambio fue una María de voz poderosa y el tenor Gustavo López Manzitti aportó intensidad al rol de Gabriele. En un elenco en el que predominan las voces masculinas, sobresalieron el barítono Fabián Veloz, estupendo en el rol de Paolo, y el bajo Konstantin Gorny, con imponente presencia vocal y escénica como Fiesco.

El director Stefano Ranzani logró profundidad y homogeneidad en la orquesta, que se destacó especialmente en los momentos de mayor intensidad dramática, como la impactante Escena del Consejo. También el Coro dirigido por Peter Burian tuvo una actuación notable, y contribuyó a que la gran protagonista de la función fuera la maravillosa música de Verdi.

Nombran “SUSANA KARAMANIAN” un camarín del Teatro Colón de Buenos Aires – IAN

2011-07-25T13:44:00.000-07:00

SU CAMARÍN

Cuántas historias y anécdotas habrá vivido en el camarín, el lugar único que tienen los artistas antes de bajar a escena, donde sin maquillaje y vestuario, ríen, cuentan de su vida y porque no, también festejan…

Ella siempre tenia algun recuerdo para compartir, entre carcajadas y efusividad, con sus compañeras del camarín número 5.

El Teatro Colón de la ciudad Autónoma de Buenos Aires, actualmente tiene un camarín del Coro Estable con el nombre “SUSANA KARAMANIAN”

Fue inaugurado el pasado 8 de junio de 2011 cerca de las 14.30hs., por iniciativa de un grupo de compañeras y el aval de la Dirección General del Teatro, con un ágape y aplausos en su memoria.

Anahid Silaci Karamanian